THE SOCIAL NETWORK ("La red social") de David Fincher [2010]

Solicitud de amistad: David Fincher quiere ser tu amigo. Amigos en común: 1 (Oliver Stone). Porque sí, David Fincher en "La red social" ha jugado a ser Oliver Stone. Y le ha salido bien. Atrás queda aquel David Fincher de "Alien incubado", "The game", "El club de la lucha", "Se7en" o "Benjamin Button". Se ha alejado de los efectos especiales, de las tramas inquietantes o de la idea de querer polemizar con el tema de sus filmes para centrarse en una historia real. Y aquí, como Oliver Stone, ha querido contar la historia de un momento importante contemporáneo (en este caso la creación de la mayor red social del mundo) desde el discurso de la polémica. Sí, David Fincher ha madurado.

Muro: "La red social" comienza con un cara a cara ante el juez entre Mark Zuckerberg y sus compañeros de Harvard con los que ideó la estructura de lo que más tarde sería "Facebook". Mediante flashbacks, Fincher nos sumerje en el frío mundo de Mark Zuckerberg y su egoista entorno; en cómo por hacer realidad una idea, todo vale. No hay cabida para la amistad sino puros intereses. David Fincher destroza el simpático mundo que hasta ahora se nos presentaban de los "freaks", "nerds" y demás etiquetas, para mostrarnos un mundo de simples personas sin escrúpulos capaces de hacer cualquier cosa por conseguir el fruto de su propio egoismo, la alimentación de su propio ego.

Y en esto tiene mucha culpa el fantástico guión de Aaron Sorkin que consigue que la película no decaiga en ningún momento; cada una de las interpretaciones de los personajes, destacando a un Jesse Eisenberg inmenso en el papel de Mark Zuckenberg, al que llegas a comprender tanto como odiarlo. Y el montaje, de esos que sin destacar hace que la película se te haga corta.

Me gusta: La direccion de Fincher (muy del estilo de Benjamin Button, pero aquí el guión tiene más chicha que fuegos artificiales); Jesse Eisenberg llevando el peso de toda la película; Justin Timberlake (asombrando en su papel de Sean "Napster" Parker) y Andrew Garfield como el único personaje con un toque de humildad y dos dedos de frente de toda la historia (aunque en terreno de genios esas características te hagan débil) Como escena la del encuentro entre el creador de Napster y el de Facebook... donde el Fincher videoclipero se deja ver.

Ya no me gusta: Poco que decir pues la historia en sí no da para mucho y Fincher hace un trabajo soberbio para que no decaiga en nigún momento. Quizá que yo no vea esa "obra maestra" que todo el mundo ve. Pero teniendo en cuenta que el 2010 ha sido un año muy muy flojito, no me extraña que a la peña se le caiga la baba con una histroia muy bien contada que viene a decirte que los que tenemos cuenta en facebook somos meras cobayas de los nerds.

Invitación a un evento: Me huele que arrasará en los Óscar. Película, director y guión adaptado le caerán fijo. El montaje no me extrañaría que también. Pero para mi gusto, me parece mucho más oscarizable esa maravilla de los Coen que es "Valor de ley" que este producto tan Oliver Stone.

¿Qué estás pensando?: En resumen, "La red social" es una buena película que te cuenta quién es ese Mark Zuckerberg que se oculta tras facebook y del que, aunque lo pueda tener todo, gracias a dios no nos parecemos. A fin de cuentas la soledad tiene un precio... Y, por Dios. ¡¡¡LA DE FREAKS QUE HAY POR EL MUNDO!!!

RESTREPO ("Restrepo") de Tim Hetherington & Sebastian Junger [2010]

Korengan es un valle de Afganistan, considerado hoy en día como la zona bélica más peligrosa del planeta. No hay día que no haya un tiroteo entre los tropas estadounidenses y la guerrilla talibán. La película nos muestra la vida diaria durante unos meses de un pelotón estadounidense destinado a la zona. Sus misiones, su trabajo, su camaradería, su miedo, su muerte. Lo más desgarrador de todo es que "Restrepo" es un documental aunque a veces no lo parezca. Y la muerte es de verdad.

Tim Hetherington (fotógrafo ganador del Word Press Photo) y Sebastian Junger, (periodista) realizan un magnífico trabajo documental sobre la vida militar de un pelotón en una zona de conflicto. Rodada toda con cámara en mano, nos hace partícipes de lo que es estar en primera linea en una zona de conflicto. Imágenes duras, muy duras aunque (eso sí, y se agradece) muy alejadas del amarillismo que por desgracia es nota imperante hoy en día en las noticias de televisión. Hetherington y Junger huyen totalmente del regodearse en lo duro de la guerra. Sólo exponen lo que ven (te guste o no) con absoluta objetividad. Sin juicios de valor: el espectador no es tonto.

Y es que "Restrepo" consigue que por un instante te olvides que estás viendo un documental. El montaje, (las entrevistas a los implicados están colocadas en momentos clave, contándote lo que hicieron y por qué), la forma de contarte el conflicto (alternando situaciones medio cómicas de camaradería con otras que te dejan los pelos de punta), todo, está realizado como su estuvieses viendo una película de ficción. Hay momentos en que consiguen que te olvidas que lo que ves es 100% real. Hay momentos, que parece que estés viendo un "Platoon" ambientado en Afganistán. Y esto es digno de elogio en una histroria tan dura como un conflicto de estas características.

Lo mejor: Todo. Quizá sea una de los mejores documentales que yo haya visto.

Lo peor: Que sea todo real, como la muerte misma.

Posibilidad de Óscar: Nominado a mejor largometaje documental. Sólo he visto el documental de Banksy pero creo que ninguno de los demás le debería hacer sombra. El Óscar creo que lo tiene asegurado; por lo que cuenta, por cómo lo cuenta y porque te deja un mal rollo en el cuerpo, de esos que dan que pensar.

En resumen, uno de los mejores documenatles que yo haya visto. Flipante. Y nunca la canción de "Touch me" de Samantha Fox ha significado tanto...

127 HOURS ("127 horas") de Danny Boyle [2010]

Si algo tiene Danny Boyle es que sabe utilizar como nadie el "estilo videoclipero" a la hora de contarte una historia, la verdad sea dicha. Es único a la hora de partir la imagen en dos, de realizar travellings imposibles o de utilizar zooms acrobáticos. Es su técnica del "todo vale" para llamar y controlar así la atención del espectador. Y lo sabe. Y le sale bien. Ya se dió a conocer así con "Trainspotting" y hace dos años volvió a llamar la atención con "Slumdog millionaire". Y sabe que si no utiliza esa técnica, le pueden salir cosas como "La playa" o "Una historia diferente". Danny Boyle ha encontrado su sitio.

Porque "127 horas" vuelve a reincidir con el tipo de cine que le dió a conocer. Estrucruralmente es , además, casi un calco de aquel "Slumdog millionaire" que le reportó un Óscar: un historia principal superflua y sencilla a más no poder y varios flashbacks que de verdad son los que llevan el cuerpo de la película dándole así consistencia a la historia.: porque lo importante aquí no es el final (que lo sabemos todos) sino quién es de verdad Aaron Ralston. Si a esto le añadimos reminiscencias del "Trainspotting" (sobre todo de aquellos sueños metafóricos de viajes drogodependientes, aquí travestidos en supuesta locura del protagonista), "127 horas" no es más que Danny Boyle reinventándose a sí mimo.

Y "127 horas" es James Franco. Borda el papel del típico listillo hijo de papá que vive por y para la aventura. Una de esas personas que se tienen a sí mismos y que le sobran todos lo demás. Una de esas personas que se jactan de no necesitar a nadie hasta que, claro está, cuando de verdad los necesitan, te das cuenta que de verdad estas sólo y no tienes a nadie a tu alrededor. Así era por lo visto Aaron Ralston.

Lo mejor: Sin duda la actuación de James Franco (él se lo guisa, él se lo come). El principio hasta que cae en la sima (me gustó mucho). La fotografía del Gran Cañón (dan ganas de irte a hacer senderismo por esa zona). Y el ritmo que le da a la película consiguiendo que no decaiga demasiado.

Lo peor: El sueño de la inundación (muy del estilo "Traispotting" que decía antes) no viene mucho a cuento.

Posibilidad de Óscar: Nominada en seis apartados: película, actor (James Fanco), guion adaptado, banda sonora, canción y montaje. James Franco lo tiene crudísimo fente a Colin Firth o Jeff Bridges (si acaso, sería la cuarta opción tras Bardem). De las demás, podría optar de verdad por el de montaje (no veo rivales favoritos en este apartado) pero el estilo videoclipero ya tuvo su Óscar con "Slumdog millionaire. Por lo tanto, me temo que se irá de vacio del Kodak Theatre

Resumiendo, "127 horas" es, para los que nos chifla las películas de supervivencia, una de las mejores de su género. Muy parecida a una serie B que vi hace unos meses; se llamaba "The Canyon" e iba más o menos de lo mismo, aunque en esta aparecían ¡¡lobos hambrientos!! :-DD

Y acabo con el coñazo de canción nominada: "If i rise" de Dido & A.R. Rahman; que ustedes lo padezcan...

BLUE VALENTINE ("Blue Valentine") de Derek Cianfrance

"Historias de amor en el cine hay muchas, lo verdaderamente importante es cómo te la cuentan." Derek Cianfrance ha debido entender esa premisa y ha conseguido precisamente eso. Porque si bien "Blue Valentine" no es más que otra historia de amor, Cianfrance ha conseguido ir más allá y ha hecho además una perfecta radiografía de lo que es una relación de pareja: sus alegrías y sus penas; sus risas y sus llantos; su espontaneidad del comienzo y su rutina final; "Blue Valentine" no es más que eso: la historia de un principio, de un previsible fin y, desde luego, de todo lo de enmedio.

Con una fotografía un tanto fría o cálida según el momento y el uso de la handycam para así enfatizar el realismo de la historia, "Blue Valentine" nos sumerje en una relacion de pareja donde la rutina se ha apoderado de ellos. Tenemos la intención de una de las partes (un magnífico Ryan Gosling) por sacarla adelante y volver al comienzo. Para ello, paradógicamente, pasan la noche en la "habitación del futuro" de un motel temático en donde poco a poco iremos descubriendo cómo se fraguó la relación y lo que pasó o no pasó entre ellos para llegar a esa situación. Pero ya sabemos que el amor es cosa de dos y tal vez ella (una inmensa Michelle Williams) no ponga el mismo interés.

Derek Cianfrance consigue así, una muy buena película sobre los entresijos del amor, magistralmente contada mediante fantásticos flashbacks (colocados en los momentos oportunos y necesarios), para anticiparse, en cierta manera, a la pregunta del espectador. Tanto Ryan Gosling como Michelle Williams están inmensos, consiguiendo sin aparente dificultad ese feeling necesario entre sus personajes para que toda historia de amor sea creible.

Lo mejor: El guión, la fotografia y el uso de la "cámara en mano" para darle el relismo necesario a la historia. La interpretación de ambos, no resaltando ninguno por encima del otro. Y la manera de contarte la historia, saltando de la amargura a la comicidad... como la vida misma.

Lo peor: Francamente, no le veo nada negativo. Equilibrio perfecto. La película no engaña.

Posibilidad de Óscar: Teniendo injustamente sólo una nominación (para la actriz Michelle Williams), sus posibilidades son más que remotas. Michelle Willams realiza una magistral interpretación de una persona normal y corriente (sin aparentes taras para destacar su actuación) y, si es verdad, que estas son las actuaciones más dífíciles de interpretar, tambien es verdad que son las menos premiables. Sólo hay que ver el caso de hace dos años con Richard Jenkins en "The visitor"...

En resumen, "Blue Valentine" es una pequeña joya de película, altamente recomendable para apreciar buen cine independiente. Quizá hasta sea el contrapunto perfecto para esa otra joya que fue "[500] days of summer".

THE FIGHTER ("The fighter") de David O. Russell [2010]

Dicky Eklund (Christian Bale) fue un boxeador de la década de los 80 que es tratado como un héroe en su barrio por derrotar en un combate a "Sugar Ray"; sus dias de gloria ya han pasado y está metido en drogas y delincuencia. Micky Ward (Mark Whalberg) es su hermano pequeño, que se está abriendo camino como boxeador y tiene como entenador a su hermano Dicky. Además de todo esto, tiene como representante a toda su extravagante familia, con especial mención a la madre de ambos (Melissa Leo) .

Con estos ingredientes, David O. Russell realiza una corriente película sobre el deporte más cinematográfico. Pero no sólo habla de boxeo, "The fighter" es, además (y quizá sea éste el aspecto más interesante del film) una más que aceptable radiografía del entorno en el que se desenvolvían los hermanos: el barrio humilde que trata a Dicky como héroe; la posesiva familia que ve en Micky a otra gallina de los huevos de oro; la vida de Dicky ajena al entorno familiar y sus problemas con las drogas; y la novia de Micky que viene a poner un poco de orden a todo este caos que puede afectarle profesionalmente a su novio. En el centro de todo esto, encontramos a Micky y sus dudas sobre si su futuro profesional comienza con la necesidad de darle la espalda a su familia.

Pero más que todo esto, "The fighter" es Christian Bale. Sin dudarlo. Un Christian Bale inmenso, que (como he leido por ahi) consigue hacerle a Mark Whalberg lo que Heath Ledger hizo con él. Bueno, tampoco es que Marl Whalberg sea un rival digno, pero bueno, se entiende la metáfora... Y es que su sola presencia eclipsa al resto del reparto. Da la sensación que está un nivel por encima del resto de sus compañeros en el film. Brillante, comedido, creible. Consigue crear una empatía con el espectador dificil de separar. Y es que, además, nada más verle actuar sabes con certeza al 100% , que el Óscar secundario de este año tiene nombre y apellido.

Del resto del reparto, destacar a una más que convincente Melissa Leo como la madre posesiva. Una actuación potente y muy alejada de aquella madre de "Frozen river" que le consiguió su primera nominación al Óscar. Su interpretación en "The fighter" me recuerda a la de una Holly Hunter de sus mejores momentos. Por el contrario (y pese a la nominación), no me convence demasiado Amy Adams como la novia de Micky; precisamente es su personaje (junto con un más que apático Mark Whalberg) los que hacen que "The fighter" no sea más de lo que podría ser.

Destacable es también el recurso del director de comenzar la película a través de que están rodando un documental sobre la vida de Dicky y su añeja victoria contra "Sugar Ray". Bale consigue enseguida trasmitirte su ilusón por el boxeo y que así tengás más interés en el film. Un acierto.

Como curiosidad, muy buena la escena de cuando Mark Whalberg y Amy Adams van al cine a ver... ¡¡BELLE EPOQUE!!. De risa... :-D

Lo mejor: Christian Bale y Melissa Leo, sin dudarlo. Y de escenas destacables, casi todas en las que sale Christian Bale, pero si me quedo con una, indudablemente, la escena cuando Dicky está viendo por televisión el documental que le han grabado como homenaje. Genial.

Lo peor: Las escenas de combate no me apasionaron en exceso. Mark Whalberg no está creible; sigues viendo a Mark Whalberg ponieno la misma cara... ruede lo que ruede. Una lástima que no hubiesen escogido a cualquier otro actor para el papel.

Posibilidad de Óscar: El de Christian Bale es fijo. Sería una de las mayores injusticias si no se lo llevase. De los demás (léase: película, director, actrices secundarias (Leo y Adams), montaje y guión original), quizá el de guión original, aunque estando "El discurso de Rey", me temo que no. Y no me desagradaría que se lo diesen a Melissa Leo, pero aquí mi favorita es Jackie Weaver, como la madre de "Animal Kingdom".

En fin, "The fighter" es una película recomendable para disfrutar de una lección de cómo se debe actuar a cargo de Christian Bale y Melissa Leo. Y, queridos publicistas, perdono lo de "La mejor película de boxeo desde Rocky", porque aunque la estética es muy parecida en ambas, está claro que "The fighter" está a años luz de "Toro salvaje" o "Million Dolars baby", por poner dos ejemplos. Hala, os dejo con el trailer...

THE KIDS ARE ALL RIGHT ("Los chicos están bien") de Lisa Cholodenko [2010]

Como todos los años, tenemos aquí a la película "indie" acaparadora de premios. Esa que va de festival en festival abriéndose camino hacia los Óscar. Y recorre su camino de boca en boca, alabando la actuación de sus protagonistas, alabando la temática de la historia, alabando el guión en el que se basa... Sí, como todos los años, estamos ante un "Precious", ante una película trampa, donde la sobrevaloración está por encima del interés cinematográfico.

Dentro del cine indie, este 2010 nos dio varias películas mucho más interesantes que esta. Hablo de "Winter´s bone", hablo de "Cyrus" o hablo de "Rabbit hole"... Y entonces, ¿por qué esas alabanzas hacia la cinta de Lisa Cholodenko?. Sencillamente, creo que porque "Los chicos están bien" aborda el tema de la paternidad entre lesbianas (¿o habría que decir maternidad?): Annette Bening y Juliane Moore son un matrimonio que tiene dos hijos fruto de una inseminacion artificial realizada en su momento. La hija acaba de cumplir 21 años (en USA, puedes conocer a la persona que donó su esperma cuando cumples la mayoría de edad) y decide conocer a su "padre". Y así, poco a poco, esa persona (Mark Ruffalo) entra en sus vidas.

Pero el problema de la cinta no es ese, el problema es que aborda ese tema desde una perspectiva un poco demasiado políticamente correcta para ser una película independiente, donde suelen ser más críticos o aportan una "lectura entre lineas" sobre estos temas. La película de Cholodenko es muy blanda en ese aspecto (precisamente, todo lo contrario que le pasaba a "Precious", la peli-trampa del año pasado, donde de tan exagerado que lo pintaba todo, acababas por no creerte nada). Si a eso le unes unas situaciones muy poco creibles y, sobre todo, a una Mia Wasikowska con más cara de palo que en la Alicia de Tim Burton, puedes hacerte una idea de lo que es la cinta.

Lo destacable, indudablemente algunos momentos del guión, pero sobre todo, una más que magnífica Annette Bening (algún dia le tendrán que reconocer lo buena actriz que es). Borda su papel de lesbiana recelosa del hombre que acaba de entrar en sus vidas. Es la que lleva el peso de la historia, eclipsando a los que aparecen en el plano... y todo esto, sin ser de verdad la verdadera protagonista. Si no estuviese ella, es muy probable que "Los chicos están bien" pasaría sin pena ni gloria. Mark Ruffalo, cumple con creces y Julianne Moore... bueno, Julianne Moore es que siempre está bien (haga lo que haga)

Lo mejor: Annette Bening y el personaje que quizá le de un Óscar. Y algún que otro diálogo. Como escena, la de la cena ("tour de force" de la Bening)

Lo peor: Mia Wasikowska (la veo demasiao verde para abordar papeles de envergadura) y lo demasiado políticamente correcto de la historia.

Posibilidad de Óscar: Nominada a mejor película, mejor actriz (Annette Bening), mejor actor secundario (Mark Ruffalo) y mejor guión original (Lisa Cholodenko, Stuart Blumberg), me temo que sólo podría optar a la de mejor actriz si les dan por sorprender y no premiar a Natalie Portman por "Cisne negro". Mark Ruffalo lo tiene muy crudo frente a Christian Bale por "Fighter". Y en cuanto a guión, no se lo merece. Como el año pasado con "Precious", 4 nominacines ya es un premio.

Recomendable por ver a Annette Bening... y para amantes de las típicas comedias dramáticas indies (aunque pa comedias dramáticas indies recomiendo "Cyrus" de los hermans Duplass con un John C. Reilly y una Marisa Tomei, antológicos)

RABBIT HOLE ("Rabbit hole") de John Cameron Mitchell [2010]

John Cameron Mitchell, responsable de la multipremiada cult-movie "Hedwig and the angry inch", nos sumerje esta vez en un drama doméstico sobre la pérdida de un hijo, sobre el dolor y el sufrimiento que eso produce y sobre el tiempo necesario que ha de pasar hasta encontrar cada uno su propio consuelo.

"Rabbit hole" es un magnífico drama que huye por completo del sensacionalismo televisivo para centrase en lo que viene a ser lo que yo llamo "sentimientos sin guión". La película huye totalmente de los esteriotipos histriónicos tales como "oh, he perdido a mi hijo ¡qué penita tengo!" para centrase más en la soledad de cada uno de los protagonistas a través de una aparente normalidad externa. Lo que viene a ser la vida misma.

Y ese es precisamente el éxito que le veo a la cinta de Mitchell; el que consiga hacernos testigos del sufrimiento ajeno, que consiga que entendamos perfectamente la situación por la que están pasando los protagonistas sin ningún atisbo de sensacionalismo barato. "Rabbit hole" nos viene a decir que la vida continúa tras la muerte de un ser querido y que eso afecta (en mayor o menor medida) a muchas personas.

Y todo esto es posible gracias a un guión maravillosamente interpretado por cada uno de los actores; desde una más que magistral Nicole Kidman (me da que su nominación al Óscar está garantizada... aunque la acabe de gafar) a un no menos magistral Aaron Eckhart, pasando por una siempre interesante Sandra Oh, o una siempre magistral Diane Weist, o un primerizo cumplidor como Miles Teller. Cada uno de ellos logran que "Rabbit hole· consiga tener el equilibrio perfecto.

Película de brillantes escenas interpretativas: la del grupo de terapia ("¿Para qué quiere Dios que nuestro hijo esté con él como un ángel?. ¡Es Dios!... puede crearse uno"); la del "tour de force" Kidman-Eckhart, la de Kidman-Teller explicandole el comic "Rabbit hole". Y ese final...

Lo mejor: Muchos hablan de Nicole Kidman (cierto, está impresionante en esta interpretación contenida en la que vemos su sufrimiento por dentro; de Óscar), pero me gustaría resaltar la actuación de un no menos brillante Aaron Eckhart, también sublime. Destaco también, que pese a tratar la muerte de un hijo, no veamos (sino que intuimos) la causa por la que murió, porque en el fondo no interesa el por qué pasó sino el cómo superarlo. Brillante el guión (atención al ritmo que le da al final de la historia) y la banda sonora.

Lo peor: Nada; no sobra ningún personaje ni ninguna situación.

Posibilidad de Óscar: Pese a que se merecería optar a más premios sólo está nominada a mejor actriz (Nicole Kidman), pero me temo que el cisne se comerá al conejo... Además, la Kidman ya tiene un Óscar.

Muy recomendable para aquellos que odien los dramones televisivos de males ajenos, ya que me atrevería a decir que "Rabbit hole" da un punto de vista novedoso a este tema.

RAGING BULL ("Toro salvaje") de Martin Scorsese [1980]

Estamos en 1976, Martin Scorsese acaba de dirigir "Taxi driver", éxito total y unánime en medio mundo, consiguiendo la Palma de Oro en Cannes (por aquel entonces el premio cinematográfico más prestigioso que un director podía recibir) y, por ende, la culminación de varios años de éxito tras éxito (léase, "Malas calles" y "Alicia ya no vive aquí", películas tan distintas entre sí como casi obras maestras, demostrando que él es capaz de darle un sello personal a todo lo que caiga en sus manos). 1976 fue el mayor subidón en la carrera de Scorsese.

Estamos en 1977, Scorsese es el chico de moda en Nueva York. Se dedica a ir de fiesta en fiesta, de promoción en promoción. Aquel chico humilde hijo de un planchador de pantalones se ve el rey del mundo. Se codea con lo mejor... pero también con lo peor. Comienza su adicción a la cocaina. Y afronta su primera película de gran presupuesto: el musical "New York, New York". Fue un rotundo fracaso de taquilla y el alto presupuesto de la película nunca se llegó a amortizar. 1977 fue el comienzo del mayor bajón en la vida de Scorsese.

Estamos en 1980, Scorsese ya no cree en Scorsese. Desde el fracaso de "New York, New York" sólo ha dirigido dos documentales y su adicción a la cocaina es más que un hecho ("He llegado a estar 7 dias de fiesta, sin dormir, sin saber quién era o dónde estaba"). Robert De Niro sí cree en Scorsese. Llega a sus manos el guión de "Toro salvaje" y busca a Scorsese para convencerle (obligarle) de que sólo él puede rodar esa película. De que Scorsese puede callar muchas bocas y de que él está ahí para ayudarle. Scorsese acepta convencido de que ésta será su última película. 1980 fue su rehabilitación

Esto que he contado es importante para entender lo que significa de verdad "Toro Salvaje". No es una simple historia de un boxeador acabado, "Toro salvaje" es la historia de un hombre humilde que logró abrazar la fama, que lo pudo tener todo... pero que se rindió ante el lado oscuro de ese éxito para acabar siendo no más que una marioneta de cabaret. Y si un genio se inspira en él mismo para hacer su trabajo, sólo le puede salir una obra maestra.

"Toro salvaje" es, seguro, la película más personal de Scorsese. Comenzando por ese impecable blanco y negro para enfatizar lo trágico de su propia existencia. Sólo usa el color cuando habla de nostalgia, de recuerdos de infancia, de su pasado, de sus raices, de lo que era. Lo mismo ocurre a la inversa, el mayor predominio de lo negro, de las sombras, de la oscuridad... son escenas de rabia, de dolor, de paranoias, de golpes que te da la vida, de puñetazos contra la pared ("¿Por qué, por qué, por qué?, ¡imbécil, imbécil, imbécil!", quizá se lo estuviese diciendo a él mismo). Habla de catarsis, de desahogo y , quizá para Scorsese, de una no resignación. Cada puñetazo que recibe Jake LaMotta se lo está pegando Scorsese a si mismo.

La película es impecable en cada uno de sus fotogramas; desde esa cara de De Niro maquillándose en un camerino, hasta esa última escena cantando para cuatro borrachos. Entre medio, lo que pudo haber sido Jake LaMotta y no fue. Un humilde boxeador de peso medio cuyo unico sueño era llegar a ser el número uno. Malas compañías, la mafia y el dinero fácil, consiguen hacer de él un pelele, cosa que él nunca se perdonará (las paranoias, la desconfianza y un descuido físico brutal serán las consecuencias de haber renunciado a su sueño).

Tiene escenas impecables, como la del calabozo por haber pegado al causante de su desgracia. Toda la escena a oscuras con dos columnas de luz iluminando cómo pega puñetazos contra la pared. Genial. Y ese final con su quejido "mis manos, mis manos" (su herramienta de trabajo). Como las escenas en las que intercala, en color, imágenes mudas grabadas en super 8 mientras ves cómo va ganando combates y cómo es feliz en su vida. Ahí entiendes el uso del color: son sólo esos momentos cuando de verdad Jake LaMotta es feliz. Lo demás en blanco y negro te cuenta la historia de una tristeza, la historia de un perdedor.

Otra escena para recordar (mi favorita) es, para mi, el momento más importante de todo el film: la de él llorando en el hombro de su entrenador tras verse obligado a dejarse ganar. De una soledad acojonante. A partir de ahí es cuando el personaje deja de disfrutar con el boxeo. Deja de cuidarse... hasta de respetarse. Se deja llevar como un pelele. Brutal la escena, de un dramatismo contenido insuperable.

Y sobre todo ese final, cantando para cuatro borrachos, buscando otro sueño alejado del boxeo y del dinero, pero para él igual de importante que el que tuvo en su día. Y es que un boxeador nunca quiere tirar la toalla...

Lo mejor: Todo; actores (un Joe Pesci inmenso) actrices, (Cathy Moriarthy más guapa que nunca), fotografia, guión, montaje, etc... y la banda sonora con esa maravilla de la "Cavalleria rusticana" de Pietr Mascagni. Pero sobre todo, un Robert De Niro soberbio; la mejor actuación de su carrera sin duda. Y pensar que todo lo hizo por ayudar a su amigo Scorsese... hasta llegar a engordar 30 kilos.

Lo peor: Nada de nada, cero patatero. Es una obra maestra indiscutible.

Pese a ser catalogada hace poco como la mejor película de la década de los 80, "Toro salvaje" no fue un éxito de público, pero sí supuso un exito para Scorsese tanto en lo personal (dejó definitivamente sus adicciones) como en lo profesional ( "Toro salvaje" supuso la recuperación de su prestigio, prestigio que aún perdura intacto en la actualidad).

Y ya para acabar, estamos en 1983; un Scorsese totalmente recuperado rueda un futuro fracaso de taquilla,"El rey de la comedia", una comedia con tintes dramáticos sobre un comediante aficionado, quizá (¡quién sabe!) retomando el último fotograma de Jake LaMotta y mostrando, tal vez, el giro que "Toro salvaje" significó en su vida...

Tomi dedicated

WINTER´S BONE ("Winter´s bone") de Debra Granik [2010]

Como ya dije para el caso de "Frozen River" de Courtney Hunt, todos los años surge una película independiente en donde lo primordial de todo es el guión, el uso una fotografia efectista, la interpretación de una actor/actriz semidesconocido que lleve todo el peso de la historia y una impecable dirección y acabado. En el 2010, todas esas premisas las cumple "Winter´s bone", también dirigida por una mujer (Debra Granik) y casi casi una ópera prima. Ésta es la segunda película de Granik tras "Down the bone" (¡y dale con los huesos!) una película sobre la adiccion a las drogas protagonizada por Vera Formiga y, que como ésta consiguió el premio al mejor director en el Festival de Sundance de aquel año (2005).

Y he empezado comparándola con "Frozen river" porque sólo hay que verla para darse cuenta uno que ambos trabajos tienen mucho en común y no sólo en la forma de estar dirigida, en esos planos cuidados al detalle, en esa fantástica banda sonora y en esa atmósfera fría, sino que también en el aspecto central de la trama. Si en aquella teníamos a una mujer abandonada por el marido que tenía que hacer todo lo posible por mantener a sus dos hijos, en "Winter´s bone" ese peso recae sobre una adolescente de 17 años (una genial Jennifer Lawrence, de la que me atrevería a anticipar que será una fija en los próximos Óscar) que además de tener que cuidar de sus dos hermnos pequeños y de una madre enferma, tendrá que zambullirse en lo más turbio y oscuro de Missouri para encontrar a su padre y salvar así su casa.

Debra Granik hace una radiografía casi perfecta de ese Missouri de violines y banjos, que ya John Boorman nos anticipó en "Deliverance", una radiografía de una gente que se sabe abandonada al destino aunque manteniendo intacto esa lealtad a la familia, al apellido ("yo soy una Dolly hasta el tuétano"), ...quizá sea lo único que de verdad les pertenece.

Y el peso de todo lo lleva una joven actriz de 17 años (Jennifer Lawrence) que ha de buscar a su padre como sea (al que no ve en años) aunque para ello no le importe adentrarse en terrenos oscuros de cosas pasadas que nadie quiere desenterrar. Así, a través de ella vamos descubriendo de verdad quién fue/es su padre. Aquí, a diferencia de "Frozen river", la película poco a poco pasa del drama al thriller sin darnos cuenta. Quizá esa sea la razón del exito de la película y de la dirección de Granik.

Lo mejor: Aparte de un guión muy elaborado, una gran fotografía y una banda sonora acorde con el mundo de los violines y banjos de Missouri, hay que destacar a Jennifer Lawrence por encima del resto. Una actuación creible y contenida que fijo le llevarán al Kodak Theatre. Como escenas (aunque más bien son diálogos) destacaría cuando les enseña a disparar a sus hermanos: "arrodíllate como si rezaras y mira por esta cruz". Creo que lo dice todo. Genial.

Lo peor: Quizá un giro final un poco rápido pero poca cosa. Perdonable.

Poibilidad de Óscar: Optando a los mismos premios que "Los chicos están bien" (con la salvedad de que aquí el guión es adaptado), me temo que las nominaciones ya es premio suficente aunque no descartaría el de guión adaptado para Debra Granik y Annie Rossellini. Son rivales a priori asequibles. En cambio, Jennifer Lawrence debería de derrotar primero a Natalie Portman y luego a Annette Bennig; podría dar la sorpresa pero no suelen arriesgarse en la categoría de actriz/actor principal.

Recomendable para quienes les guste el cine independiente americano que busca premios. Ganó el premio del jurado en los Festivales de Sundance y de Berlín. Ahí es nada... Y, además, sale Laura Palmer :-)

SRPSKI FILM ("A serbian film") de Srdjan Spasojevic [2010]

De vez en cuando aparecen en el panorama cinematográfico películas transgresoras que llevan la polémica allá donde se exhiben. Ya ocurrió en su día con esa maravilla belga que fue "Ocurrió cerca de su casa" (1992), en donde asistíamos impasibles a las enseñanzas en el dia a dia de un asesino en serie. Rodada con cámara en mano como un falso documental en blanco y negro, el protagonista siempre hablaba a la cámara consiguiendo hacer cómplice al espectador de las atrocidades que llevaba a cabo. Aún hoy me impacta aquella escena del robo en una casa mientras nos explicaba el por qué hay que matar primero al niño. Y recuerdo que salí del cine bastante "tocado". Consiguió el premio a mejor película y actor del Festival de Sitges de aquel año...

Desde entonces, no recuerdo películas transgresoras de ese estilo salvo por alguna que otra escena aislada, como fue el caso de la ablación de "La pianista" de Haneke (más acorde con lo que nos encontramos en "A serbian film") o , por ejemplo, con la sobrevalorada escena de "Martyrs", (más gore que otra cosa aunque el revuelo que montaron me parece que fue más fruto del marketing que de otra cosa tipo "ambulancias en la entrada, desmayos en el cine y bla, bla bla..."). "A serbian film" sí es toda ella una película transgresora. Una película que se atreve a ir más allá de lo llamado "políticamente incorrecto"; pretende (y lo consigue) colocar al espectador en la tesitura de abandonar la sala o seguir hasta el final, que no es otra cosa que jugar con el espectador dentro del marco del terror hiperrealista. De hecho, es quizá la primera película en la que en el Festival de Sitges comunicó a los espectadores la devolución del dinero de la entrada a quienes abandonasen la proyección durante la película.

Y para conseguir eso, Srdjan Spasojevic lo envuelve todo dentro del marco de la pornografía, porque es precisamente dentro de ese marco donde toda perversión es fácilmente creible de cara a la galería (todo el mundo ha oido hablar de leyendas urbanas, de snuff movies, de redes pederastas, de mafias del porno, etc, etc... ). Y de cómo el sexo-amor se puede transformar en sexo-odio (o algo así). "A serbian film" va de todo esto. Cuenta la historia de un ex-actor porno (el mejor en su época) que decide rodar una última película por dinero. Mientras la está rodando se va dando cuenta que las escenas cada vez son más denigrantes que la anterior.... hasta límites insospechados.

Y el verdadero éxito de la historia (éxito para unos, bazofia para otros) está en la de mostrar esas escenas denigrantes dentro del más puro hiperrealismo; un hiperrealismo que logra dejarte con la angustiosa sensacióin de que de verdad estás asistiendo en la butaca a una de esas tan habladas "snuff movies". Hablo de brutales escenas que no dejan nada a la insinuación; que, por un lado, dan verdadero asco y repugnancia, pero por otro lado, están genialmente rodadas e interpretadas. En cierta manera, me recordó (salvando mucho las distancias y dejando a un lado lo polémico de las escenas) a lo que quiso contarnos Lukas Moodyson (sobre la degradación del ser humano y la sociedad) en la también angustiosa "A hole in my heart".

Pero eso sí, si algo hay que destacar de la película es la interpretación de cada uno de los actores (en especial la creible actuación de Srdjan Todorovic como Milos), así como la realización y la atmósfera opresiva que consigue traspasar la pantalla.

Lo mejor: La dirección y la puesta en escena, así como el mensaje entre lineas que te intenta contar. Y los últimos 15 minutos de una crueldad y una bestialidad tal, que te deja mudo; algo que nunca antes se ha hecho (ni creo que se vuelva a hacer) en el cine. Así como ese final para bordarlo todo. Destacar por ello, la valentía del director por querer contarte algo así, consiguiendo que tal vez sea la película recomendable que nadie quiera recomendar. Bueno, y no hay que olvidarse de cada una de las actrices que aparecen en la película. Un 10 para la belleza serbia, la leche... ¡vaya pibones! :-O

Lo peor: Quizá el giro argumental a mitad película, aunque es verdad que es la forma más rápida de mostrarte atrocidades sin sentido. Eso y un par de escenas demasiado fuertes para un público de festival, pero que consiguen su propósito.

¿Violencia gratuita?. Unos dirán que sí y tendrán razón: Yo creo que no, porque si quieres criticar a la sociedad serbia que acaba de salir, quizá, de la guerra civil más sangrienta de la Historia, no hay mejor manera de ver tal atrocidad y las consecuencias de todo ello que mostrando otra atrocidad muy directa y, a la par, muy parecida: el sexo dentro del marco del porno extremo, donde trístemente, como en la guerra, todo es permisible.

MONSTERS ("Monsters") de Gareth Edwards [2010]

Ópera prima de Gareth Edwards (aunque antes haya hecho algo en plan documental para la televisión), "Monsters" sitúa la accion en México. La historia es atractiva: una nave de la NASA que transportaba especímenes extraterrestres se estrella en el norte de Mexico (frontera con USA). Desde entonces, toda esa zona está en cuarentena, es la llamada "Zona infectada". A un periodista que iba a realizar un reportaje fotográfico en la zona, se le encargará escoltar a la hija de su jefe (que se encuentra allí) de vuelta a casa. Ni que decir tiene que tendrán que atravesar la zona infectada para regresar a USA.

"Monsters" podría haber sido una más que destacable película, en serio; pero es que falla (y es una pena) en lo esencial: en el guión. Porque resulta que Gareth Edwards no ha querido hacer un "Monstruoso" ni un "Distrito 9" (aunque esté más cerca de ésta última que de la de J.J. Abrams, y la quieran vender así). No ha querido hacer una película excepcional de monstruos gigantes luchando contra los humanos. No; de hecho casi ni aparecen esos monstruos gigantescos. Simplemente ha querido dar un punto de vista bastante curioso y novedoso a lo que nos tiene acostumbrados este tipo de cine. Ha querido hacer cine de autor de la ciencia ficción. Y casi lo consigue.

Porque "Monsters" tiene más de una lectura: habla del miedo a lo desconocido, de solucionar por la fuerza conflictos inventados. Habla de la inmigración, de jugarte la vida para poder vivir en un lugar mejor. Habla de la incomunicación de la sociedad actual, de la resignación antes de plantarle cara a tus propios miedos. Por todo esto la película es más que interesante...

Pero todo se acaba ahí, pues, como dije, le falta guión; bastante guión. "Monsters" tiene uno de los guiones menos elaborados que he leido últimamente; un guión basado en estúpidas situaciones inverosímiles como único nexo de unión entre escenas vacías de contenido. Y llevando el peso de la historia, dos personajes esteriotipados que sólo hacia el final intentan conseguir arrancar un poco... pero en balde. Lo mejor, la trama, cuando es la cámara la que habla; cuando el director se convierte en documentalista.

Lo mejor: La idea, sin duda; la ambientación (muy bien lograda para lo poco que ha debido costar); y el final, muy muy logrado (y que por lo que he leido, pocos se han dado cuenta)

Lo peor: El no haber sabido aprovechar el filón que tiene la idea. Y que quieran venderte la película como una de monstruos gigantes contra humanos.

Resuminedo, "Monsters" es un intento por hacer algo más que una película de cienccia ficción. Pero la intención es lo que cuenta y de todo se aprende. Y por lo visto, Gareth Edwards se merece una segunda oportunidad.

FROZEN ("Frozen") de Adam Green [2010]

Dentro del cine de terror existe un tipo de cine en el que el terror está personificado en la propia Naturaleza o en una situación de lo más normal que se vuelve contra nosotros y del que no tenemos escapatoria. Suelen ser películas efectistas y baratas; de hecho suele haber simplemente uno o dos escenarios en los que la angustia va "in crescendo" durante toda la película. Y a mi, sinceramente, siempre me han parecido la mar de interesantes.

Hablo de películas como "Naúfragos" (8 personajes y un bote salvavidas); "The hole" (atrapados en un bunker), "Gerry" (dos amigos perdidos en el desierto); "The Canyon" (unos recién casados perdidos en el Gran Cañón); "La cabina" y "Última llamada" (atrapados en una cabina de teléfono); "Open water" (olvidados en el océano); "Black water" (perdidos en un pantano), etc... y a la espera de que se estrene lo último de Danny Boyle, "127 horas", sobre la historia real de un alpinista que cayó a una sima en Utah y estuvo 127 horas atrapado por una roca sin poderse mover.

"Frozen" es de este estilo de películas; tres amigos se van un domingo a esquiar y por varias casualidades y malos entendidos, cierran la estación de esquí hasta el sábado siguiente quedándose ellos atrapados en el telesilla que les lleva a la cima. A raiz de así asistimos poco a poco a la angustia de los personajes por sobrevivir y para salir airosos de ahí y no acabar congelados.

Adam Green consigue plasmar ese miedo y esa angustia de la Naturaleza en varias escenas muy bien rodadas (la mejor, la escena de ellos tres en el telesilla mientras ves cómo a espaldas de ellos se van apagando poco a poco la iluminación de las pistas mientras oyes que uno dice, "no nos van a dejar aquí...". Genial). D hecho, esta película estuvo nominada a mejor película de terror en los Saturns (los Óscar del terror y la ciencia ficcion). Otro acierto, es que consigues que te adelantes a los pensamientos de los protagonistas. No sé si ocurrirá esto a todo el mundo, pero yo pensaba "bien podrían hacer esto" o "¿por qué no intentan esto otro?" y a renglón seguido eso hacían...

Pero no es oro todo lo que reluce, no. El guión es muy pero que muy mejorable. Da la sensación de que simplemente son meras excusas para pasar de una escena a otra (de temas intranscendentes a recuerdos de infancia); que si bien es aceptable porque en esas situaciones lo mejor es relajarse frivolizando un poco, no deja de ser un recurso narrativo bastante pobre si no se usa como es debido. Sin contar con las escenas previas hasta que se montan en el telesilla, que no aportan nada o casi nada y se hace un pelín largo. Menos mal que se nota que es a aprtir de ahí, cuando de verdad se sabe dirigir. Pero lo dicho, en este tema podrían haber trabajado un poco más y les habría salido una película bastante aceptable.

Y del trio protagonista (que cumplen para el guión que les han dado) destacaría a una Emma Bell, como futura musa del terror pues aparecerá en la esperadísima serie de Frank Darabont "The walking dead" y en el próximo esperado bodrio de "Destino fianl 5"; así como a Shawn Ashmore (el hombre de hielo de los X-men) en un papel que poco a poco consigue el protagonismo que anda buscando. Ambos están creibles en sus interpretaciones.

Lo mejor: La direccion y la fotografía, que bastante es para este tipo de películas. Bueno, y algunos diálogos intrascendentes al estilo de las películas de Kevin Smith. Y que entretiene si te gusta este tipo de cine.

Lo peor: Que pese a entretener, te queda un regustillo amargo de que podría haber estado mucho pero que mucho mejor de lo que es en realidad.

Recomendable, para pasar una hora y media entretenido...

THE EMMY AWARDS 2010

1.- MEJOR SERIE DRAMÁTICA y GUIÓN EN SERIE DRAMÁTICA: Por encima de finales "Perdidos" (yo, sinceramente, creia que le iba a tocar a ésta, por todo lo que ha representado "Perdidos" como fenómeno de de la televisión, nunca visto desde que David Lynch nos enganchase con "Twin Peaks); pero no, un año más y por tercer año consecutivo, los "Mad men" del creador de "Los Soprano" se han erigido como la más que justa ganadora. Y en esta tercera temporada (a ver si me la veo prontito) asistimos al asesinato de JFK y lo que todo ello significó para la sociedad de la época; episodio ese que creo que batió records de audiencia de la serie... Ni que decir tiene que es una de mis series debilidad. Matthew Weiner y Erin Levy, se llevaronm el de guión :-)))

2.- MEJOR SERIE DE COMEDIA, ACTOR SECUNDARIO y GUIÓN EN SERIE DE COMEDIA: Aquí, sí, contra todo pronóstico, (todo apuntaba a que se llevaría el Emmy "Glee") la ganadora ha sido "Modern family", una sátira del american way of life, rodada al estilo de "The Office", como falso docudrama. Promete la cosa, ya veremos... Eric Stonestreet, se ha llevado el de interpretación de reparto. Y el guión es cosa de Steve levitan y Christopher Lloyd

3.- MEJOR MINISERIE DE TV: Aquí sí que estaba cantada la cosa. "The Pacific" sigue fiel a los dramas bélicos producidos por el tandem Spielberg-Hank: grandes efectos especiales, gran fotografia, y una puesta en escena fiel a lo que narra, las batallas del Pacífico que ocurrieron tras el ataque a Pearl Harbour. Nada que objetar...

4.- MEJOR TELEFILM: "Temple Grandin" de Mick Jackson; biopic de la científica autista. Lo cirioso del caso y lo que la hace apetecible es que de 7 nominaciones se ha llavado 5: telefilm, director (Mick Jackson), actriz (Claire Danes), actor secundario (David Strathairn) y actriz secundaria (Julia Ormond, que competía también con Catherine O´Hara, tambien de este telefilm). Habrá que verla...

5.- MEJOR ACTOR y ACTOR SECUNDARIO EN SERIE DRAMÁTICA: Olé, olé y olé. Estos han sido sin dudarlo dos de los tres premios que más me han alegrado. Cómo no, ¡¡DE BREAKING BAD!!!. Bryan Cranston y Aaron Paul, más que merecidísimos. :-DDD

6.- MEJOR ACTOR EN SERIE DE COMEDIA: ...y este es el tercer premio que más me ha alegrado de anoche : Jim Parsons por su magistral Sheldon de "The Big bang theory", una serie que he visto este verano y me ha convertido en fan acérrimo del "aspie freak" por excelencia de la televisión.

7.- MEJOR ACTOR y GUIÓN EN TELEFILM: Al Pacino, por su gran interpretación de "Doctor Muerte" en "You dont know Jack" ("No conoceis a Jack"). Me la vi este verano y.. bueno, Pacino es Pacino y el guión de Adam Mazer está escrito para su lucimiento.

8.- MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL EN SERIE DE COMEDIA: Estoy totalmente de acuerdo con lo que dijo Edie Falco al recoger el Emmy. "Os habeis equivocado, yo no soy divertida" Y, es que no hay otro modo de describir la serie "Nurse Jackie", una serie cómica, que de comedia tiene poco. Eso sí, mi Carmela Soprano favorita se merece el premio, ¡qué coño!

9.- MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL EN SERIE DE DRAMA: A priori, todo apuntaba a que la ganadora sería Julianna Margulies por su interpretación de la abogada-esposa de un senador corrupto en "The Good Wife". Pero no, Kira Sedgwick en su sexta nominación por este papel de interrogadora de sospechosos (lo consiguió por la segunda temporada de "The Closer", allá en el 2006) repite premio.

10.- MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE DE DRAMA: Aquí sí, la revelacion de la televisión de este año ("The good wife") se lleva su premio la actriz británica india vista en la serie de la BBC "Life on Mars", o en la pelicula "Quiero ser como Beckham", Archie Panjabi por su personaje de investigadora privada.

11.- MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE DE COMEDIA: Otro acierto. Para mi el exito de "Glee" está en la interpretacion de Jane Lynch como la cínica y manipuladora Sue Sylvester. Las mejores frases de la serie salen de su boca: "Para qué estudiar una lengua muerta (refiriendose al idioma español) que sólo sirve para ser jardineras o lavaplatos". :-DDDD

12.- MEJOR DIRECCION EN SERIE DRAMA: Para Steve Shill por el episodio "The getaway" de "Dexter". Como curiosidad, estaba nominada en este apartado Agnieszka Holland por el episodio piloto de "Treme" (lo nuevo de los creadores de "The Wire")

13.- MEJOR DIRECTOR EN SERIE DE COMEDIA: Para Ryan Murphy poe el episodio piloto de "Glee", y todos tan contentos...

LAKE MUNGO ("Lake Mungo") de Joel Anderson [2008]

El ahora llamado “falso documental” es un género casi tan antiguo como la Historia del Cine. Se entiende por tal, la utilización del lenguaje documental para contarte una historia. ¿Qué es el lenguaje documental?; resumiéndolo mucho, todo documental que se precie de serlo ha de cumplir dos premisas importantes: la total objetividad de lo narrado y, por lo tanto, la total ausencia de juicios de valor sobre lo que te están contando. Porque la finalidad de todo documental es eso mismo: la de generar esos juicios de valor en el propio espectador.

Con la aplicación de estas técnicas en la narración de una historia, lo que se pretende conseguir es, por un lado, la captación del interés del espectador (una “voz en off” siempre es sugerente) y, a la vez, la de acentuar la credibilidad de la historia (algo que es innegable que nos da el cine documental). Estos resultados suelen ser distintos según el porcentaje del lenguaje documental utilizado en la narración de la historia. Así, por ejemplo (y para el que esto escribe), los mejores “falsos documentales” con un equilibrio perfecto entre documental y drama son: “Ciudadano Kane” (Citizen Kane, Orson Welles, 1941), (para muchos, la mejor película de todos los tiempos), “Zelig” (“Zelig”, Woody Allen, 1983) (la maravillosa rareza de Woody Allen) y “Ciudadano Bob Roberts” (“Bob.Roberts”, Tim Robbins, 1993) (quizá la más terrorífica de las tres)

Dentro del cine fantástico y de terror, las referencias al falso documental las podemos encontrar en la famosa “voz en off” final de algunos títulos de ciencia ficción de los años 40-50 sobre invasiones marcianas, cuya finalidad no era otra que la de darle el punto de terror final a los espectadores antes de que saliesen de la sala. Y, de ahí, ya no fue hasta los años 70, donde ya acentuaron más el lenguaje documental en títulos como “Holocausto caníbal” (“Caníbal holocaust, Ruggero Deodato, 1980) con la “polémica” cita (y rumor) de “basado en hechos reales”. Más tarde con “El proyecto de la bruja de Blair” (“The Blair Witch Project”, Daniel Myrick & Eduardo Sánchez, 1999) aparecerían otro tipo de “falso documental”, que bien se podrían llamar “Reality movie”, pues el tema documental brilla casi por su ausencia. Son películas, como por ejemplo, aparte de “La bruja de Blair”, “Monstruoso” (“Cloverfield”, Matt Reeves, 2008) o la española “[REC]” (Jaime Balagueró & Paco Plaza, 2007)

Y “Lake Mungo” sí se podría decir que es un falso documental al 100%. La historia que nos cuenta es muy simple: una adolescente desaparece y es encontrada ahogada en un lago. A raíz de ese hecho, la familia de la adolescente empieza experimentar fenómenos extraños y situaciones sobrenaturales que les llevan a investigar desde el “qué nos quiere decir” hasta el “qué pasó en realidad esa noche”.

Lo mejor de “Lake Mungo” es precisamente eso, el utilizar el lenguaje documental para contarte una historia simple, muy simple; una historia que contada de otra manera no tendría ni el más mínimo éxito ni el más mínimo interés. Y es que “Lake Mungo” sabe aprovechar al 100% ese lenguaje (esa captación del interés del espectador y esa credibilidad de la historia), mediante el uso de las entrevistas a familiares y amigos, (que te acercan a conocer poco a poco a la adolescente fallecida), y mediante el uso de esas imágenes paranormales grabadas con “handycam” domésticas (que le dan ese toque necesario de credibilidad, suspense y el mínimo de terror necesario a la historia).

En el aspecto meramente dramático, la película cumple con su pretensión, que no es otra que la de ir desenredando la trama casi sin darte cuenta, con la utilización de pequeños giros argumentales necesarios para captar de nuevo la atención del espectador y así llevarte a conocer qué pasó en realidad esa noche; y todo sin la utilización de imágenes impactantes ni giros de guión exagerados y con los justos efectos visuales más efectistas que otra cosa.

En resumen, “Lake Mungo” es un correcto “falso documental”, más documental que, por ejemplo, “La cuarta Fase” (“The fourth kind”, Olatunde Osunsanmi, 2009) pero, eso sí, menos entretenida que esta.

[SERIE TV] "Breaking bad" ("Breaking bad") de Vince Gilligan [2008 - ]

Estamos ante una obra maestra de la televisión. Creo que desde "Los Soprano" no me había enganchado y entretenido tanto una serie de televisión; y eso que por mis ojos han pasado "Criando malvas", "Perdidos", "Los Tudor", "Life on Mars", "24", "Mad men", etc... etc..., unas mejores que otras, sí. Siento especial cariño a "Criando malvas" y "Mad men"... Y aún tengo por ver "Nurse Jackie" (protagonizada por Edie Falco (la recordada "Carmela Soprano") haciendo de enfermera adicta al Vicodine y el Adderall; según dicen con un humor mucho más negro que "House"; está nominada a mejor actriz de comedia), "Generation Kill" (aunque esto es una miniserie) y, ¡cómo no! la famosa "The Wire". A ver si este Agosto cae... :-)

"Breaking bad" nos viene a contar la histora de Walt White, un cincuentañero profesor de química de instituto al que el día de su 50 cumpleños le diagnostican un cancer de pulmón incurable al que le dan 2 años de vida como mucho. Vive con su mujer (embarazada de un hijo no deseado ) y con el hijo de ambos de 16 años discapacitado. Bueno, y con el agua al cuello a causa de las deudas. Tiene una cuñada cleptómana y un cuñado que es el encargado del Departamento de Narcóticos de Nuevo México. Y es viendo una actuación de éste en una redada cuando se decide a contactar con un ex-alumno suyo (ahora camello) para entre los dos utilizar sus conocimientos de química y fabricar metaanfetamina para traficar y ganar el suficiente dinero para que su familia pueda vivir cuando él falte.

Si la trama no tiene desperdicio, es precisamente la puesta en escena, el guión, los personajes, la música, la fotografía, las situaciones y los diálogos lo que eleva el todo a obra maestra. Estamos ante una serie de continuidad donde hay capítulos centrados en los problemas propios del narcotraficante (acentuados en la condicion de novatos de los protagonistas) con otros capítulos más pausados y centrados en la vida familiar ajena al secreto del cabeza de familia (y pese a que parezca lo contrario, no menos interesantes). Y es que tras la tempestad de una situación al límite, siempre vienen varios días de calma... Y si a todo eso lo envuelves con un mucho de los hermanos Coen te puedes hacer una idea de lo que te encontrarás viendo "Breaking Bad".

Y es que tanto Walt White como su camello compinche Jesse Pinkman parecen totalmente sacados de un guión de los Coen. La sererenidad, inteligencia y calma de uno de ellos contrasta a la perfección con la impulsibidad, falta de cordura y nerviosismo del otro; de hecho, ellos dos dan los mejores diálogos de la serie. De ahí que estemos ante unas actuaciones más que sobresalientes de cada uno de ellos (en especial de Bryan Cranston como Walt White: brutal y de chapó lo que hace con su personaje; hasta sus silencios hablan...)

Y el resto del reparto no le va a la zaga. La embarazada esposa que sospecha que algo le oculta su marido; la cuñada cleptómana y sus problemas con su hermana; el cuñado policía y sus investigaciones... Hasta cada uno de los narcotraficantes que van apareciendo tienen su toque de ditincion. De estos últimos, me quedo con el personaje de "Tuco". Genial su do de pecho en un capítulo :-O

En resumen, una gozada de serie, con diálogos directos, situaciones creibles 100% y el tema tabú sobre la licitud de los actos del protagonista flotando en el ambiente...

Posibilidad de Emmy: Tiene tres nominaciones: mejor serie dramática, mejor actor y mejor actor secunario. Yo le daba los tres, pero espero que al menos Bryan Cranston se lleve el suyo a casa...

Y este es "el corrido" de Los Cuates de Sinaloa creado para la serie...

EL PASEO DE LA ROJA.

Aún sigo sin creérmelo del todo. Nunca pensé que podríamos ganar un Mundial, que eso era un reto al alcance de los de siempre y una utopía (una simple ilusión) para los demás mortales. Pero no. España ha demostrado que todo está a la alcance de todos. Sinceramente pensaba que la iba a ganar Holanda (históricamente se la merecían más que España, y es que debe doler estar en tres finales y no haber conseguido ninguna (a mi aún me duele recordar esas dos finales de Champions con el Valencia; y es que nadie se acuerda de los finalistas...) y, por eso, en cierta medida me daba igual si España perdía esa final. Yo me conformaba con haber llegado a jugar ese último partido. Pero la ganamos. Si Holanda no hubiese salido comos salió, si hubiese salido a jugar como sé que saben jugar, quizá otro gallo les hubiese cantado. Eligieron dar patadas en lugar de pases y España todo lo contrario... Que se jodan.

Y ayer zapeé el paseo de la Roja por Madrid. Las celebraciones, el baño de multitudes. Acojonante en sí pero con varios "peros". Sinceremente, disfruté muchísimo más con la celebración de la Eurocopa de hace dos años que con lo que vi ayer...

Creo que el error fue que se celebrase precisamente ayer. Hubiese sido muchísimo mejor hacer hoy o mañana las celebraciones. Recordemos que la final fue el domingo a las 20:30 y que hubo prórroga. Que no estaban en Austria sino en Sudáfrica. Que tras el partido los jugadores lo celebrarían en privado e imagino que no dormirían absolutamente nada pues les esperaba un viaje en avión de ¡¡DIEZ HORAS!!. Nada más llegar el avión, les subieron al bus y, ¡hala! 12 horas por Madrid. Un 10 para los jugadores, eso sí, pero bien se podría haber pensado en ellos a la hora de hacerles protagonistas de semejante despropósito. Yo les eché de menos, eché de menos esa gracias de las celebraciones de hace 2 años, eché de msnos que estuviesen más participativos aunque... ¡¡¡GRANDE REINA!!.

Me alegró ver la Senyera catalana, la valenciana, la asturiana, incluso la bandera del Athletic Club o la bufanda de Torres y su Atleti... porque España no es más que eso, un pais multicultural, aunque los políticos de turno lo quieran llevar siempre a su terreno.

Y se me cayó el alma al suelo cuando vi en lo que convirtieron la celebración, en un festival Tele 5 donde sólo faltaban las "Mamá Chicho". Lamentable el colofón final: un Manolo Escobar cantando en playback el "Viva España" :-O (si vas a cantar en playback, no vayas; se pone el cd y punto. Más que mantearte, te tenían que haber tirado al río...), con un David Bisbal cantando su mierda de canción que no se la conoce nadie (si ves que el público te aplaude porque da por terminada tu canción, cállate la boca y no intentes acabarla); y un Carlos Latre cortando la espontaneidad de los jugadores (a ver si te enteras que estando Pepe Reina, ¡¡¡NO TE NECESITAMOS!!!)

Momentos: cuando le ponen a la fuerza a Cesc la camiseta del Barça (no sé si eso le acarreará una multa por parte del Arsenal), cuando presentó a a Navas como "salido de un manicomio" (crack), y cuando saca a Valdez y dice "para los que dicen que nos llevamos mal". Y, la verdad, ¿quién podría llevarse mal con Reina?. ¡Periolistos del orto!

En fin, un 10 a los jugadores porque hicieron un esfuerzo sobrehumano, no perdiendo la sonrisa en ningún momento y supongo que turnándose en la parte de arriba del bus para ir haciendo alguna que otra cabezadita abajo.

Espero que dentro de 2 años, si pasa lo mismo, dejen descansar a los artífices de nuestra alegría, porque, digan lo que digan de la afición y bla bla bla, son ellos (y no nostros) los que se merecen pasárselo bien y hacernos disfrutar de su triunfo. Y si lo ven una "obligación", todos perdemos.

Y, of course, Don Luis Aragonés dedicated.

UP IN THE AIR ("Up in the air") de Jason Reitman [2009]

Jason Reitman es un director que con escasas 3 películas ("Gracias porfumar", "Juno" y esta "Up in the air") se ha ganado un puesto en el organigrama hollywoodiense. Y es que ha sabido actualizar como nadie a nuestros dias toda la esencia de la comedia clásica de gente como Billy Wilder, y, sobre todo George Cukor. Yo veo mucha similitud (salvando claramente las distancias) de"Up in the air" o "Juno" con "La costilla de Adán" o "Historias deFiladelfia", por poner dos ejemplos de la clasicidad de su cine. Humor inteligente basado más en un muy elaborado guión que en las situaciones símplemente cómicas. Y algo, bastante, de drama: porque la vida no se puede explicar sin la conjunción de ambas cosas...

Así, si "Juno" trataba del drama que supone un embarazo adolescente (drama más por los que la rodean que por la propia Juno, pues ella, desde el primer fotograma no ve ningún drama en ello) en "Up in the air" el drama lo tenemos en el protagonista, en la soledad de un hombre cuyo trabajo consiste en despedir a empleados de las empresas que le contratan para ello. Y lo hace como nadie, es el número uno. Toda su vida ha estado enfocada en crearle el drama a los demás, sin darse cuenta él (o no queriéndoselo dar) que su vida en sí es un drama. Que aunque lo tenga todo, aunque viva como un rey, es el amor lo que pone comedia en tu vida. Y cuando de verdad consigue enamorarse, es ella la que hace el mismo trabajo a que se dedica él, "desdedirle".

George Clooney está impecable; con esta película no hay duda de que es el nuevo Cary Grant. El guión está muy elaborado. Muy injusto que no se haya llevado el Óscar. Y las actrices están correctas, aunque a mi me gustó más el personaje de la aprendiz que el de la amante.

Sólo hay una cosa que le hecho en cara a Jason Reitman. Nunca entenderé porque ha obviado un aspecto FUNDAMENTAL del personaje de George Clooney que sí relata el libro y que de haberlo explicado o nombrarlo, se hubiese entendido mucho mejor su personaje (por qué es tan vulnerable a enamorarse), acciones (por qué decide asistir a la boda de su hermana) y situaciones (le hubiese dado el dramatismo necesario a esa escena final). El libro comienza con George Clooney en el médico oyendo cómo le dicen que le queda un año de vida. Hubiese squedado de cine mezclar las imágenes del medico diciendole a él que le queda ese año de vida con las de George Clooney despidiendo a los empleados de sus clientes.

Pero aún así, no hay que negar que "Up in the air" es una buena película. :-)

LEGION ("Legion") de Scott Charles Stewart [2010]

“Legión” es, quizá, una de las mayores decepciones de la temporada. Y digo decepción porque la historia prometía y mucho (Dios manda un ejército de ángeles para exterminar a la raza humana) y, además, el trailer no hacía otra cosa que ponernos un caramelito en la boca. Pero a la hora de la verdad, “Legión” ha resultado ser una mala película, casi una parodia de sí misma. Y este es el verdadero fallo de la película: querer tomarse demasiado en serio a si misma.

El primer fallo que le veo es la intención clara de vestir de “blockbuster” a una simple película de serie B. La historia prometía algo del estilo de “Constantine” (Constantine, Francis Lawrence, 2005), pero le ha salido una mezcla entre “Temblores” (Tremors, Ron Underwood, 1990) y “La noche de los muertos vivientes” (Night of the living dead, George A Romero, 1968). Y es que, además, Scott Stewart no ha sabido darle a la cinta la consistencia necesaria para que la historia llegue a ser mínimamente interesante.

Porque otro fallo que le veo es el guión. Si bien es cierto que comienza de manera más que correcta, este interés se diluye muy rápidamente a medida que avanza la trama, hasta tal punto, que se pierde totalmente el interés por quién gane en la lucha final o por la incógnita del neonato. Una lástima. Creo que otro gallo cantaría si se hubiese dotado a la cinta de un humor del estilo del de “Zombies party” (Shaun of the dead, Edgar Wright, 2002), “Feast” (Feast, John Gullagher, 2008), o las más recientes, “Lesbian Vampire killer” (Lebian vampire killer, Phil Clayton, 2009) y “Bienvenidos a Zombieland” (Zombieland, Ruben Fleischer, 2009). “Legión” era una película para tratarla así y no para dotarla de ese aura de misticismo religioso, que tan poco éxito (por no decir ninguno) ha tenido en el cine.

Y, por último, de cada una de las (planas) interpretaciones del elenco, destacaría a un Paul Bettany como el arcángel “Terminator” Miguel que, aunque se le ve un poco perdido, le da algo de consistencia a su personaje; y, sobre todo, destacaría a Kevin Durand como al arcángel Gabriel. Un actor que ya me llamó la atención como sicario en la serie de TV “Perdidos” (Lost, J.J. Abrams, 2004) y que me recuerda mucho a aquel Christopher Walken en su etapa de villano sin escrúpulos. Y, la verdad, en “Legión”, la aparición de Gabriel en escena logra eclipsar toda la pantalla.

Lo mejor: Kevin Durand, y la escena de la abuela Gladys (sin duda, lo mejor del filme) y la del niño en la gasolinera

Lo peor: El guión, el ritmo, el maquillaje de unos ángeles que parecen más zombis que otra cosa y, sobre todo, las expectativas que prometía y lo que es en realidad.

Y ya por último, yo eché de menos la aparición del arcángel Rafael, pero ni aparece ni lo nombran; será cosas del Protestantismo, que sólo reconocen a dos arcángeles. Quizá desde un punto de vista católico “Legión” hubiese sido más interesante sin duda…

IRON MAN 2 ("Iron man 2") de Jon Favreau [2010]

“Iron man 2” es una aceptable secuela de una buena adaptación de un héroe Marvel. A mi entender, Iron Man es quizá el superhéroe más humano de todos y, a la vez, uno de los personajes más atractivos del Universo de los cómics. Es un superhéroe que encierra ciertos aspectos oscuros de la naturaleza humana que no encontramos en los demás superhéroes: no tiene una personalidad secreta, es un ser arrogante, un ser soberbio, con una tendencia creciente al alcoholismo y, además, con esa idea preconcebida de que el fin justifica los medios; idea que se aleja bastante de los clásicos superhéroes. Además de multimillonario, su empresa se dedica a crear armas para el mejor postor, algo impropio de todo superhéroe. Sólo hay que escuchar la frase de Tony Stark, “Acabo de privatizar la Paz mundial”, para darnos cuenta que, quizá, sea la frase que mejor le defina

Así, si “Iron man” (2008) se centraba en cómo Tony Stark se convertía en “El hombre de hierro”, en esta secuela Jon Favreau se centra más en la figura del Tony Stark humano, en ese ser atormentado por su miedo a la muerte, a su futuro incierto, a su corazón envenenado… logrando explicar a la perfección tanto el por qué de sus excentricidades como la de utilizar su ingenio para buscar una solución a su problema. En este sentido la película cumple con creces las expectativas, gracias a un magistral Robert Downey Jr que, o bien ha entendido a la perfección el personaje de Tony Stark, o este actor está ya en un momento artístico en que borda cualquier papel que le echen. Me inclino más por lo segundo; y me alegro de ello. Un 99% del éxito de Iron man está en su interpretación, dejando intacto el carisma que le dio al personaje en la primera película

Otro acierto de esta secuela es lo bien que están introducidas las escenas de acción logrando el equilibrio perfecto entre la explicación de un personaje, la continuidad de una trama y la pura diversión visual. No hay que olvidar que estamos ante una película de superhéroes, y todo esto se agradece.

Pero “Iron Man 2” no es ni mucho menos “El caballero oscuro”. Y si antes he dicho que estamos ante una aceptable (que no buena) secuela es porque “Iron man 2” cae en el error en el que suelen caer los guionistas a la hora de realizar secuelas de superhéroes. Y ese error no es otro que el de introducir demasiados personajes y poco tiempo para desarrollarlos como se merecen. Se le presta más atención a la “Viuda negra” (una genial Scarlett Johansson) y a “Nick Furia” (un “casi cameo” de Samuel L. Jackson) en detrimento de “Maquina de guerra” (al personaje de Don Cheadle lo veo elaborado muy a trompicones), y, sobre todo, en detrimento de Mickey Rourke como el villano “Latigazo”. Creo que se merecía más atención y, sobre todo, un final digno con el que todo supervillano sueña: un cara a cara contra el superhéroe a la altura de las circunstancias. Una lástima…

Lo mejor: Robert Downey Jr y Scarlett Johansson (esta última llega a ensombrecer casi por completo a Gwyneth Paltrow). El ritmo de la película (no llega a aburrir en ningún momento). Cada una de las escenas de acción; en especial la de Montecarlo. Y, cómo no, el “teaser” final tras los títulos de crédito.

Lo peor: Que pueda dar una sensación de película presentación de personajes que de secuela en sí.

NdR: esta crítica es la primera colaboración de uno de los "enanos" (Cárabo) en la web Klowns Asesinos