THE FIGHTER ("The fighter") de David O. Russell [2010]

Dicky Eklund (Christian Bale) fue un boxeador de la década de los 80 que es tratado como un héroe en su barrio por derrotar en un combate a "Sugar Ray"; sus dias de gloria ya han pasado y está metido en drogas y delincuencia. Micky Ward (Mark Whalberg) es su hermano pequeño, que se está abriendo camino como boxeador y tiene como entenador a su hermano Dicky. Además de todo esto, tiene como representante a toda su extravagante familia, con especial mención a la madre de ambos (Melissa Leo) .

Con estos ingredientes, David O. Russell realiza una corriente película sobre el deporte más cinematográfico. Pero no sólo habla de boxeo, "The fighter" es, además (y quizá sea éste el aspecto más interesante del film) una más que aceptable radiografía del entorno en el que se desenvolvían los hermanos: el barrio humilde que trata a Dicky como héroe; la posesiva familia que ve en Micky a otra gallina de los huevos de oro; la vida de Dicky ajena al entorno familiar y sus problemas con las drogas; y la novia de Micky que viene a poner un poco de orden a todo este caos que puede afectarle profesionalmente a su novio. En el centro de todo esto, encontramos a Micky y sus dudas sobre si su futuro profesional comienza con la necesidad de darle la espalda a su familia.

Pero más que todo esto, "The fighter" es Christian Bale. Sin dudarlo. Un Christian Bale inmenso, que (como he leido por ahi) consigue hacerle a Mark Whalberg lo que Heath Ledger hizo con él. Bueno, tampoco es que Marl Whalberg sea un rival digno, pero bueno, se entiende la metáfora... Y es que su sola presencia eclipsa al resto del reparto. Da la sensación que está un nivel por encima del resto de sus compañeros en el film. Brillante, comedido, creible. Consigue crear una empatía con el espectador dificil de separar. Y es que, además, nada más verle actuar sabes con certeza al 100% , que el Óscar secundario de este año tiene nombre y apellido.

Del resto del reparto, destacar a una más que convincente Melissa Leo como la madre posesiva. Una actuación potente y muy alejada de aquella madre de "Frozen river" que le consiguió su primera nominación al Óscar. Su interpretación en "The fighter" me recuerda a la de una Holly Hunter de sus mejores momentos. Por el contrario (y pese a la nominación), no me convence demasiado Amy Adams como la novia de Micky; precisamente es su personaje (junto con un más que apático Mark Whalberg) los que hacen que "The fighter" no sea más de lo que podría ser.

Destacable es también el recurso del director de comenzar la película a través de que están rodando un documental sobre la vida de Dicky y su añeja victoria contra "Sugar Ray". Bale consigue enseguida trasmitirte su ilusón por el boxeo y que así tengás más interés en el film. Un acierto.

Como curiosidad, muy buena la escena de cuando Mark Whalberg y Amy Adams van al cine a ver... ¡¡BELLE EPOQUE!!. De risa... :-D

Lo mejor: Christian Bale y Melissa Leo, sin dudarlo. Y de escenas destacables, casi todas en las que sale Christian Bale, pero si me quedo con una, indudablemente, la escena cuando Dicky está viendo por televisión el documental que le han grabado como homenaje. Genial.

Lo peor: Las escenas de combate no me apasionaron en exceso. Mark Whalberg no está creible; sigues viendo a Mark Whalberg ponieno la misma cara... ruede lo que ruede. Una lástima que no hubiesen escogido a cualquier otro actor para el papel.

Posibilidad de Óscar: El de Christian Bale es fijo. Sería una de las mayores injusticias si no se lo llevase. De los demás (léase: película, director, actrices secundarias (Leo y Adams), montaje y guión original), quizá el de guión original, aunque estando "El discurso de Rey", me temo que no. Y no me desagradaría que se lo diesen a Melissa Leo, pero aquí mi favorita es Jackie Weaver, como la madre de "Animal Kingdom".

En fin, "The fighter" es una película recomendable para disfrutar de una lección de cómo se debe actuar a cargo de Christian Bale y Melissa Leo. Y, queridos publicistas, perdono lo de "La mejor película de boxeo desde Rocky", porque aunque la estética es muy parecida en ambas, está claro que "The fighter" está a años luz de "Toro salvaje" o "Million Dolars baby", por poner dos ejemplos. Hala, os dejo con el trailer...

THE KIDS ARE ALL RIGHT ("Los chicos están bien") de Lisa Cholodenko [2010]

Como todos los años, tenemos aquí a la película "indie" acaparadora de premios. Esa que va de festival en festival abriéndose camino hacia los Óscar. Y recorre su camino de boca en boca, alabando la actuación de sus protagonistas, alabando la temática de la historia, alabando el guión en el que se basa... Sí, como todos los años, estamos ante un "Precious", ante una película trampa, donde la sobrevaloración está por encima del interés cinematográfico.

Dentro del cine indie, este 2010 nos dio varias películas mucho más interesantes que esta. Hablo de "Winter´s bone", hablo de "Cyrus" o hablo de "Rabbit hole"... Y entonces, ¿por qué esas alabanzas hacia la cinta de Lisa Cholodenko?. Sencillamente, creo que porque "Los chicos están bien" aborda el tema de la paternidad entre lesbianas (¿o habría que decir maternidad?): Annette Bening y Juliane Moore son un matrimonio que tiene dos hijos fruto de una inseminacion artificial realizada en su momento. La hija acaba de cumplir 21 años (en USA, puedes conocer a la persona que donó su esperma cuando cumples la mayoría de edad) y decide conocer a su "padre". Y así, poco a poco, esa persona (Mark Ruffalo) entra en sus vidas.

Pero el problema de la cinta no es ese, el problema es que aborda ese tema desde una perspectiva un poco demasiado políticamente correcta para ser una película independiente, donde suelen ser más críticos o aportan una "lectura entre lineas" sobre estos temas. La película de Cholodenko es muy blanda en ese aspecto (precisamente, todo lo contrario que le pasaba a "Precious", la peli-trampa del año pasado, donde de tan exagerado que lo pintaba todo, acababas por no creerte nada). Si a eso le unes unas situaciones muy poco creibles y, sobre todo, a una Mia Wasikowska con más cara de palo que en la Alicia de Tim Burton, puedes hacerte una idea de lo que es la cinta.

Lo destacable, indudablemente algunos momentos del guión, pero sobre todo, una más que magnífica Annette Bening (algún dia le tendrán que reconocer lo buena actriz que es). Borda su papel de lesbiana recelosa del hombre que acaba de entrar en sus vidas. Es la que lleva el peso de la historia, eclipsando a los que aparecen en el plano... y todo esto, sin ser de verdad la verdadera protagonista. Si no estuviese ella, es muy probable que "Los chicos están bien" pasaría sin pena ni gloria. Mark Ruffalo, cumple con creces y Julianne Moore... bueno, Julianne Moore es que siempre está bien (haga lo que haga)

Lo mejor: Annette Bening y el personaje que quizá le de un Óscar. Y algún que otro diálogo. Como escena, la de la cena ("tour de force" de la Bening)

Lo peor: Mia Wasikowska (la veo demasiao verde para abordar papeles de envergadura) y lo demasiado políticamente correcto de la historia.

Posibilidad de Óscar: Nominada a mejor película, mejor actriz (Annette Bening), mejor actor secundario (Mark Ruffalo) y mejor guión original (Lisa Cholodenko, Stuart Blumberg), me temo que sólo podría optar a la de mejor actriz si les dan por sorprender y no premiar a Natalie Portman por "Cisne negro". Mark Ruffalo lo tiene muy crudo frente a Christian Bale por "Fighter". Y en cuanto a guión, no se lo merece. Como el año pasado con "Precious", 4 nominacines ya es un premio.

Recomendable por ver a Annette Bening... y para amantes de las típicas comedias dramáticas indies (aunque pa comedias dramáticas indies recomiendo "Cyrus" de los hermans Duplass con un John C. Reilly y una Marisa Tomei, antológicos)

RABBIT HOLE ("Rabbit hole") de John Cameron Mitchell [2010]

John Cameron Mitchell, responsable de la multipremiada cult-movie "Hedwig and the angry inch", nos sumerje esta vez en un drama doméstico sobre la pérdida de un hijo, sobre el dolor y el sufrimiento que eso produce y sobre el tiempo necesario que ha de pasar hasta encontrar cada uno su propio consuelo.

"Rabbit hole" es un magnífico drama que huye por completo del sensacionalismo televisivo para centrase en lo que viene a ser lo que yo llamo "sentimientos sin guión". La película huye totalmente de los esteriotipos histriónicos tales como "oh, he perdido a mi hijo ¡qué penita tengo!" para centrase más en la soledad de cada uno de los protagonistas a través de una aparente normalidad externa. Lo que viene a ser la vida misma.

Y ese es precisamente el éxito que le veo a la cinta de Mitchell; el que consiga hacernos testigos del sufrimiento ajeno, que consiga que entendamos perfectamente la situación por la que están pasando los protagonistas sin ningún atisbo de sensacionalismo barato. "Rabbit hole" nos viene a decir que la vida continúa tras la muerte de un ser querido y que eso afecta (en mayor o menor medida) a muchas personas.

Y todo esto es posible gracias a un guión maravillosamente interpretado por cada uno de los actores; desde una más que magistral Nicole Kidman (me da que su nominación al Óscar está garantizada... aunque la acabe de gafar) a un no menos magistral Aaron Eckhart, pasando por una siempre interesante Sandra Oh, o una siempre magistral Diane Weist, o un primerizo cumplidor como Miles Teller. Cada uno de ellos logran que "Rabbit hole· consiga tener el equilibrio perfecto.

Película de brillantes escenas interpretativas: la del grupo de terapia ("¿Para qué quiere Dios que nuestro hijo esté con él como un ángel?. ¡Es Dios!... puede crearse uno"); la del "tour de force" Kidman-Eckhart, la de Kidman-Teller explicandole el comic "Rabbit hole". Y ese final...

Lo mejor: Muchos hablan de Nicole Kidman (cierto, está impresionante en esta interpretación contenida en la que vemos su sufrimiento por dentro; de Óscar), pero me gustaría resaltar la actuación de un no menos brillante Aaron Eckhart, también sublime. Destaco también, que pese a tratar la muerte de un hijo, no veamos (sino que intuimos) la causa por la que murió, porque en el fondo no interesa el por qué pasó sino el cómo superarlo. Brillante el guión (atención al ritmo que le da al final de la historia) y la banda sonora.

Lo peor: Nada; no sobra ningún personaje ni ninguna situación.

Posibilidad de Óscar: Pese a que se merecería optar a más premios sólo está nominada a mejor actriz (Nicole Kidman), pero me temo que el cisne se comerá al conejo... Además, la Kidman ya tiene un Óscar.

Muy recomendable para aquellos que odien los dramones televisivos de males ajenos, ya que me atrevería a decir que "Rabbit hole" da un punto de vista novedoso a este tema.

RAGING BULL ("Toro salvaje") de Martin Scorsese [1980]

Estamos en 1976, Martin Scorsese acaba de dirigir "Taxi driver", éxito total y unánime en medio mundo, consiguiendo la Palma de Oro en Cannes (por aquel entonces el premio cinematográfico más prestigioso que un director podía recibir) y, por ende, la culminación de varios años de éxito tras éxito (léase, "Malas calles" y "Alicia ya no vive aquí", películas tan distintas entre sí como casi obras maestras, demostrando que él es capaz de darle un sello personal a todo lo que caiga en sus manos). 1976 fue el mayor subidón en la carrera de Scorsese.

Estamos en 1977, Scorsese es el chico de moda en Nueva York. Se dedica a ir de fiesta en fiesta, de promoción en promoción. Aquel chico humilde hijo de un planchador de pantalones se ve el rey del mundo. Se codea con lo mejor... pero también con lo peor. Comienza su adicción a la cocaina. Y afronta su primera película de gran presupuesto: el musical "New York, New York". Fue un rotundo fracaso de taquilla y el alto presupuesto de la película nunca se llegó a amortizar. 1977 fue el comienzo del mayor bajón en la vida de Scorsese.

Estamos en 1980, Scorsese ya no cree en Scorsese. Desde el fracaso de "New York, New York" sólo ha dirigido dos documentales y su adicción a la cocaina es más que un hecho ("He llegado a estar 7 dias de fiesta, sin dormir, sin saber quién era o dónde estaba"). Robert De Niro sí cree en Scorsese. Llega a sus manos el guión de "Toro salvaje" y busca a Scorsese para convencerle (obligarle) de que sólo él puede rodar esa película. De que Scorsese puede callar muchas bocas y de que él está ahí para ayudarle. Scorsese acepta convencido de que ésta será su última película. 1980 fue su rehabilitación

Esto que he contado es importante para entender lo que significa de verdad "Toro Salvaje". No es una simple historia de un boxeador acabado, "Toro salvaje" es la historia de un hombre humilde que logró abrazar la fama, que lo pudo tener todo... pero que se rindió ante el lado oscuro de ese éxito para acabar siendo no más que una marioneta de cabaret. Y si un genio se inspira en él mismo para hacer su trabajo, sólo le puede salir una obra maestra.

"Toro salvaje" es, seguro, la película más personal de Scorsese. Comenzando por ese impecable blanco y negro para enfatizar lo trágico de su propia existencia. Sólo usa el color cuando habla de nostalgia, de recuerdos de infancia, de su pasado, de sus raices, de lo que era. Lo mismo ocurre a la inversa, el mayor predominio de lo negro, de las sombras, de la oscuridad... son escenas de rabia, de dolor, de paranoias, de golpes que te da la vida, de puñetazos contra la pared ("¿Por qué, por qué, por qué?, ¡imbécil, imbécil, imbécil!", quizá se lo estuviese diciendo a él mismo). Habla de catarsis, de desahogo y , quizá para Scorsese, de una no resignación. Cada puñetazo que recibe Jake LaMotta se lo está pegando Scorsese a si mismo.

La película es impecable en cada uno de sus fotogramas; desde esa cara de De Niro maquillándose en un camerino, hasta esa última escena cantando para cuatro borrachos. Entre medio, lo que pudo haber sido Jake LaMotta y no fue. Un humilde boxeador de peso medio cuyo unico sueño era llegar a ser el número uno. Malas compañías, la mafia y el dinero fácil, consiguen hacer de él un pelele, cosa que él nunca se perdonará (las paranoias, la desconfianza y un descuido físico brutal serán las consecuencias de haber renunciado a su sueño).

Tiene escenas impecables, como la del calabozo por haber pegado al causante de su desgracia. Toda la escena a oscuras con dos columnas de luz iluminando cómo pega puñetazos contra la pared. Genial. Y ese final con su quejido "mis manos, mis manos" (su herramienta de trabajo). Como las escenas en las que intercala, en color, imágenes mudas grabadas en super 8 mientras ves cómo va ganando combates y cómo es feliz en su vida. Ahí entiendes el uso del color: son sólo esos momentos cuando de verdad Jake LaMotta es feliz. Lo demás en blanco y negro te cuenta la historia de una tristeza, la historia de un perdedor.

Otra escena para recordar (mi favorita) es, para mi, el momento más importante de todo el film: la de él llorando en el hombro de su entrenador tras verse obligado a dejarse ganar. De una soledad acojonante. A partir de ahí es cuando el personaje deja de disfrutar con el boxeo. Deja de cuidarse... hasta de respetarse. Se deja llevar como un pelele. Brutal la escena, de un dramatismo contenido insuperable.

Y sobre todo ese final, cantando para cuatro borrachos, buscando otro sueño alejado del boxeo y del dinero, pero para él igual de importante que el que tuvo en su día. Y es que un boxeador nunca quiere tirar la toalla...

Lo mejor: Todo; actores (un Joe Pesci inmenso) actrices, (Cathy Moriarthy más guapa que nunca), fotografia, guión, montaje, etc... y la banda sonora con esa maravilla de la "Cavalleria rusticana" de Pietr Mascagni. Pero sobre todo, un Robert De Niro soberbio; la mejor actuación de su carrera sin duda. Y pensar que todo lo hizo por ayudar a su amigo Scorsese... hasta llegar a engordar 30 kilos.

Lo peor: Nada de nada, cero patatero. Es una obra maestra indiscutible.

Pese a ser catalogada hace poco como la mejor película de la década de los 80, "Toro salvaje" no fue un éxito de público, pero sí supuso un exito para Scorsese tanto en lo personal (dejó definitivamente sus adicciones) como en lo profesional ( "Toro salvaje" supuso la recuperación de su prestigio, prestigio que aún perdura intacto en la actualidad).

Y ya para acabar, estamos en 1983; un Scorsese totalmente recuperado rueda un futuro fracaso de taquilla,"El rey de la comedia", una comedia con tintes dramáticos sobre un comediante aficionado, quizá (¡quién sabe!) retomando el último fotograma de Jake LaMotta y mostrando, tal vez, el giro que "Toro salvaje" significó en su vida...

Tomi dedicated

WINTER´S BONE ("Winter´s bone") de Debra Granik [2010]

Como ya dije para el caso de "Frozen River" de Courtney Hunt, todos los años surge una película independiente en donde lo primordial de todo es el guión, el uso una fotografia efectista, la interpretación de una actor/actriz semidesconocido que lleve todo el peso de la historia y una impecable dirección y acabado. En el 2010, todas esas premisas las cumple "Winter´s bone", también dirigida por una mujer (Debra Granik) y casi casi una ópera prima. Ésta es la segunda película de Granik tras "Down the bone" (¡y dale con los huesos!) una película sobre la adiccion a las drogas protagonizada por Vera Formiga y, que como ésta consiguió el premio al mejor director en el Festival de Sundance de aquel año (2005).

Y he empezado comparándola con "Frozen river" porque sólo hay que verla para darse cuenta uno que ambos trabajos tienen mucho en común y no sólo en la forma de estar dirigida, en esos planos cuidados al detalle, en esa fantástica banda sonora y en esa atmósfera fría, sino que también en el aspecto central de la trama. Si en aquella teníamos a una mujer abandonada por el marido que tenía que hacer todo lo posible por mantener a sus dos hijos, en "Winter´s bone" ese peso recae sobre una adolescente de 17 años (una genial Jennifer Lawrence, de la que me atrevería a anticipar que será una fija en los próximos Óscar) que además de tener que cuidar de sus dos hermnos pequeños y de una madre enferma, tendrá que zambullirse en lo más turbio y oscuro de Missouri para encontrar a su padre y salvar así su casa.

Debra Granik hace una radiografía casi perfecta de ese Missouri de violines y banjos, que ya John Boorman nos anticipó en "Deliverance", una radiografía de una gente que se sabe abandonada al destino aunque manteniendo intacto esa lealtad a la familia, al apellido ("yo soy una Dolly hasta el tuétano"), ...quizá sea lo único que de verdad les pertenece.

Y el peso de todo lo lleva una joven actriz de 17 años (Jennifer Lawrence) que ha de buscar a su padre como sea (al que no ve en años) aunque para ello no le importe adentrarse en terrenos oscuros de cosas pasadas que nadie quiere desenterrar. Así, a través de ella vamos descubriendo de verdad quién fue/es su padre. Aquí, a diferencia de "Frozen river", la película poco a poco pasa del drama al thriller sin darnos cuenta. Quizá esa sea la razón del exito de la película y de la dirección de Granik.

Lo mejor: Aparte de un guión muy elaborado, una gran fotografía y una banda sonora acorde con el mundo de los violines y banjos de Missouri, hay que destacar a Jennifer Lawrence por encima del resto. Una actuación creible y contenida que fijo le llevarán al Kodak Theatre. Como escenas (aunque más bien son diálogos) destacaría cuando les enseña a disparar a sus hermanos: "arrodíllate como si rezaras y mira por esta cruz". Creo que lo dice todo. Genial.

Lo peor: Quizá un giro final un poco rápido pero poca cosa. Perdonable.

Poibilidad de Óscar: Optando a los mismos premios que "Los chicos están bien" (con la salvedad de que aquí el guión es adaptado), me temo que las nominaciones ya es premio suficente aunque no descartaría el de guión adaptado para Debra Granik y Annie Rossellini. Son rivales a priori asequibles. En cambio, Jennifer Lawrence debería de derrotar primero a Natalie Portman y luego a Annette Bennig; podría dar la sorpresa pero no suelen arriesgarse en la categoría de actriz/actor principal.

Recomendable para quienes les guste el cine independiente americano que busca premios. Ganó el premio del jurado en los Festivales de Sundance y de Berlín. Ahí es nada... Y, además, sale Laura Palmer :-)

SRPSKI FILM ("A serbian film") de Srdjan Spasojevic [2010]

De vez en cuando aparecen en el panorama cinematográfico películas transgresoras que llevan la polémica allá donde se exhiben. Ya ocurrió en su día con esa maravilla belga que fue "Ocurrió cerca de su casa" (1992), en donde asistíamos impasibles a las enseñanzas en el dia a dia de un asesino en serie. Rodada con cámara en mano como un falso documental en blanco y negro, el protagonista siempre hablaba a la cámara consiguiendo hacer cómplice al espectador de las atrocidades que llevaba a cabo. Aún hoy me impacta aquella escena del robo en una casa mientras nos explicaba el por qué hay que matar primero al niño. Y recuerdo que salí del cine bastante "tocado". Consiguió el premio a mejor película y actor del Festival de Sitges de aquel año...

Desde entonces, no recuerdo películas transgresoras de ese estilo salvo por alguna que otra escena aislada, como fue el caso de la ablación de "La pianista" de Haneke (más acorde con lo que nos encontramos en "A serbian film") o , por ejemplo, con la sobrevalorada escena de "Martyrs", (más gore que otra cosa aunque el revuelo que montaron me parece que fue más fruto del marketing que de otra cosa tipo "ambulancias en la entrada, desmayos en el cine y bla, bla bla..."). "A serbian film" sí es toda ella una película transgresora. Una película que se atreve a ir más allá de lo llamado "políticamente incorrecto"; pretende (y lo consigue) colocar al espectador en la tesitura de abandonar la sala o seguir hasta el final, que no es otra cosa que jugar con el espectador dentro del marco del terror hiperrealista. De hecho, es quizá la primera película en la que en el Festival de Sitges comunicó a los espectadores la devolución del dinero de la entrada a quienes abandonasen la proyección durante la película.

Y para conseguir eso, Srdjan Spasojevic lo envuelve todo dentro del marco de la pornografía, porque es precisamente dentro de ese marco donde toda perversión es fácilmente creible de cara a la galería (todo el mundo ha oido hablar de leyendas urbanas, de snuff movies, de redes pederastas, de mafias del porno, etc, etc... ). Y de cómo el sexo-amor se puede transformar en sexo-odio (o algo así). "A serbian film" va de todo esto. Cuenta la historia de un ex-actor porno (el mejor en su época) que decide rodar una última película por dinero. Mientras la está rodando se va dando cuenta que las escenas cada vez son más denigrantes que la anterior.... hasta límites insospechados.

Y el verdadero éxito de la historia (éxito para unos, bazofia para otros) está en la de mostrar esas escenas denigrantes dentro del más puro hiperrealismo; un hiperrealismo que logra dejarte con la angustiosa sensacióin de que de verdad estás asistiendo en la butaca a una de esas tan habladas "snuff movies". Hablo de brutales escenas que no dejan nada a la insinuación; que, por un lado, dan verdadero asco y repugnancia, pero por otro lado, están genialmente rodadas e interpretadas. En cierta manera, me recordó (salvando mucho las distancias y dejando a un lado lo polémico de las escenas) a lo que quiso contarnos Lukas Moodyson (sobre la degradación del ser humano y la sociedad) en la también angustiosa "A hole in my heart".

Pero eso sí, si algo hay que destacar de la película es la interpretación de cada uno de los actores (en especial la creible actuación de Srdjan Todorovic como Milos), así como la realización y la atmósfera opresiva que consigue traspasar la pantalla.

Lo mejor: La dirección y la puesta en escena, así como el mensaje entre lineas que te intenta contar. Y los últimos 15 minutos de una crueldad y una bestialidad tal, que te deja mudo; algo que nunca antes se ha hecho (ni creo que se vuelva a hacer) en el cine. Así como ese final para bordarlo todo. Destacar por ello, la valentía del director por querer contarte algo así, consiguiendo que tal vez sea la película recomendable que nadie quiera recomendar. Bueno, y no hay que olvidarse de cada una de las actrices que aparecen en la película. Un 10 para la belleza serbia, la leche... ¡vaya pibones! :-O

Lo peor: Quizá el giro argumental a mitad película, aunque es verdad que es la forma más rápida de mostrarte atrocidades sin sentido. Eso y un par de escenas demasiado fuertes para un público de festival, pero que consiguen su propósito.

¿Violencia gratuita?. Unos dirán que sí y tendrán razón: Yo creo que no, porque si quieres criticar a la sociedad serbia que acaba de salir, quizá, de la guerra civil más sangrienta de la Historia, no hay mejor manera de ver tal atrocidad y las consecuencias de todo ello que mostrando otra atrocidad muy directa y, a la par, muy parecida: el sexo dentro del marco del porno extremo, donde trístemente, como en la guerra, todo es permisible.

MONSTERS ("Monsters") de Gareth Edwards [2010]

Ópera prima de Gareth Edwards (aunque antes haya hecho algo en plan documental para la televisión), "Monsters" sitúa la accion en México. La historia es atractiva: una nave de la NASA que transportaba especímenes extraterrestres se estrella en el norte de Mexico (frontera con USA). Desde entonces, toda esa zona está en cuarentena, es la llamada "Zona infectada". A un periodista que iba a realizar un reportaje fotográfico en la zona, se le encargará escoltar a la hija de su jefe (que se encuentra allí) de vuelta a casa. Ni que decir tiene que tendrán que atravesar la zona infectada para regresar a USA.

"Monsters" podría haber sido una más que destacable película, en serio; pero es que falla (y es una pena) en lo esencial: en el guión. Porque resulta que Gareth Edwards no ha querido hacer un "Monstruoso" ni un "Distrito 9" (aunque esté más cerca de ésta última que de la de J.J. Abrams, y la quieran vender así). No ha querido hacer una película excepcional de monstruos gigantes luchando contra los humanos. No; de hecho casi ni aparecen esos monstruos gigantescos. Simplemente ha querido dar un punto de vista bastante curioso y novedoso a lo que nos tiene acostumbrados este tipo de cine. Ha querido hacer cine de autor de la ciencia ficción. Y casi lo consigue.

Porque "Monsters" tiene más de una lectura: habla del miedo a lo desconocido, de solucionar por la fuerza conflictos inventados. Habla de la inmigración, de jugarte la vida para poder vivir en un lugar mejor. Habla de la incomunicación de la sociedad actual, de la resignación antes de plantarle cara a tus propios miedos. Por todo esto la película es más que interesante...

Pero todo se acaba ahí, pues, como dije, le falta guión; bastante guión. "Monsters" tiene uno de los guiones menos elaborados que he leido últimamente; un guión basado en estúpidas situaciones inverosímiles como único nexo de unión entre escenas vacías de contenido. Y llevando el peso de la historia, dos personajes esteriotipados que sólo hacia el final intentan conseguir arrancar un poco... pero en balde. Lo mejor, la trama, cuando es la cámara la que habla; cuando el director se convierte en documentalista.

Lo mejor: La idea, sin duda; la ambientación (muy bien lograda para lo poco que ha debido costar); y el final, muy muy logrado (y que por lo que he leido, pocos se han dado cuenta)

Lo peor: El no haber sabido aprovechar el filón que tiene la idea. Y que quieran venderte la película como una de monstruos gigantes contra humanos.

Resuminedo, "Monsters" es un intento por hacer algo más que una película de cienccia ficción. Pero la intención es lo que cuenta y de todo se aprende. Y por lo visto, Gareth Edwards se merece una segunda oportunidad.

FROZEN ("Frozen") de Adam Green [2010]

Dentro del cine de terror existe un tipo de cine en el que el terror está personificado en la propia Naturaleza o en una situación de lo más normal que se vuelve contra nosotros y del que no tenemos escapatoria. Suelen ser películas efectistas y baratas; de hecho suele haber simplemente uno o dos escenarios en los que la angustia va "in crescendo" durante toda la película. Y a mi, sinceramente, siempre me han parecido la mar de interesantes.

Hablo de películas como "Naúfragos" (8 personajes y un bote salvavidas); "The hole" (atrapados en un bunker), "Gerry" (dos amigos perdidos en el desierto); "The Canyon" (unos recién casados perdidos en el Gran Cañón); "La cabina" y "Última llamada" (atrapados en una cabina de teléfono); "Open water" (olvidados en el océano); "Black water" (perdidos en un pantano), etc... y a la espera de que se estrene lo último de Danny Boyle, "127 horas", sobre la historia real de un alpinista que cayó a una sima en Utah y estuvo 127 horas atrapado por una roca sin poderse mover.

"Frozen" es de este estilo de películas; tres amigos se van un domingo a esquiar y por varias casualidades y malos entendidos, cierran la estación de esquí hasta el sábado siguiente quedándose ellos atrapados en el telesilla que les lleva a la cima. A raiz de así asistimos poco a poco a la angustia de los personajes por sobrevivir y para salir airosos de ahí y no acabar congelados.

Adam Green consigue plasmar ese miedo y esa angustia de la Naturaleza en varias escenas muy bien rodadas (la mejor, la escena de ellos tres en el telesilla mientras ves cómo a espaldas de ellos se van apagando poco a poco la iluminación de las pistas mientras oyes que uno dice, "no nos van a dejar aquí...". Genial). D hecho, esta película estuvo nominada a mejor película de terror en los Saturns (los Óscar del terror y la ciencia ficcion). Otro acierto, es que consigues que te adelantes a los pensamientos de los protagonistas. No sé si ocurrirá esto a todo el mundo, pero yo pensaba "bien podrían hacer esto" o "¿por qué no intentan esto otro?" y a renglón seguido eso hacían...

Pero no es oro todo lo que reluce, no. El guión es muy pero que muy mejorable. Da la sensación de que simplemente son meras excusas para pasar de una escena a otra (de temas intranscendentes a recuerdos de infancia); que si bien es aceptable porque en esas situaciones lo mejor es relajarse frivolizando un poco, no deja de ser un recurso narrativo bastante pobre si no se usa como es debido. Sin contar con las escenas previas hasta que se montan en el telesilla, que no aportan nada o casi nada y se hace un pelín largo. Menos mal que se nota que es a aprtir de ahí, cuando de verdad se sabe dirigir. Pero lo dicho, en este tema podrían haber trabajado un poco más y les habría salido una película bastante aceptable.

Y del trio protagonista (que cumplen para el guión que les han dado) destacaría a una Emma Bell, como futura musa del terror pues aparecerá en la esperadísima serie de Frank Darabont "The walking dead" y en el próximo esperado bodrio de "Destino fianl 5"; así como a Shawn Ashmore (el hombre de hielo de los X-men) en un papel que poco a poco consigue el protagonismo que anda buscando. Ambos están creibles en sus interpretaciones.

Lo mejor: La direccion y la fotografía, que bastante es para este tipo de películas. Bueno, y algunos diálogos intrascendentes al estilo de las películas de Kevin Smith. Y que entretiene si te gusta este tipo de cine.

Lo peor: Que pese a entretener, te queda un regustillo amargo de que podría haber estado mucho pero que mucho mejor de lo que es en realidad.

Recomendable, para pasar una hora y media entretenido...

THE EMMY AWARDS 2010

1.- MEJOR SERIE DRAMÁTICA y GUIÓN EN SERIE DRAMÁTICA: Por encima de finales "Perdidos" (yo, sinceramente, creia que le iba a tocar a ésta, por todo lo que ha representado "Perdidos" como fenómeno de de la televisión, nunca visto desde que David Lynch nos enganchase con "Twin Peaks); pero no, un año más y por tercer año consecutivo, los "Mad men" del creador de "Los Soprano" se han erigido como la más que justa ganadora. Y en esta tercera temporada (a ver si me la veo prontito) asistimos al asesinato de JFK y lo que todo ello significó para la sociedad de la época; episodio ese que creo que batió records de audiencia de la serie... Ni que decir tiene que es una de mis series debilidad. Matthew Weiner y Erin Levy, se llevaronm el de guión :-)))

2.- MEJOR SERIE DE COMEDIA, ACTOR SECUNDARIO y GUIÓN EN SERIE DE COMEDIA: Aquí, sí, contra todo pronóstico, (todo apuntaba a que se llevaría el Emmy "Glee") la ganadora ha sido "Modern family", una sátira del american way of life, rodada al estilo de "The Office", como falso docudrama. Promete la cosa, ya veremos... Eric Stonestreet, se ha llevado el de interpretación de reparto. Y el guión es cosa de Steve levitan y Christopher Lloyd

3.- MEJOR MINISERIE DE TV: Aquí sí que estaba cantada la cosa. "The Pacific" sigue fiel a los dramas bélicos producidos por el tandem Spielberg-Hank: grandes efectos especiales, gran fotografia, y una puesta en escena fiel a lo que narra, las batallas del Pacífico que ocurrieron tras el ataque a Pearl Harbour. Nada que objetar...

4.- MEJOR TELEFILM: "Temple Grandin" de Mick Jackson; biopic de la científica autista. Lo cirioso del caso y lo que la hace apetecible es que de 7 nominaciones se ha llavado 5: telefilm, director (Mick Jackson), actriz (Claire Danes), actor secundario (David Strathairn) y actriz secundaria (Julia Ormond, que competía también con Catherine O´Hara, tambien de este telefilm). Habrá que verla...

5.- MEJOR ACTOR y ACTOR SECUNDARIO EN SERIE DRAMÁTICA: Olé, olé y olé. Estos han sido sin dudarlo dos de los tres premios que más me han alegrado. Cómo no, ¡¡DE BREAKING BAD!!!. Bryan Cranston y Aaron Paul, más que merecidísimos. :-DDD

6.- MEJOR ACTOR EN SERIE DE COMEDIA: ...y este es el tercer premio que más me ha alegrado de anoche : Jim Parsons por su magistral Sheldon de "The Big bang theory", una serie que he visto este verano y me ha convertido en fan acérrimo del "aspie freak" por excelencia de la televisión.

7.- MEJOR ACTOR y GUIÓN EN TELEFILM: Al Pacino, por su gran interpretación de "Doctor Muerte" en "You dont know Jack" ("No conoceis a Jack"). Me la vi este verano y.. bueno, Pacino es Pacino y el guión de Adam Mazer está escrito para su lucimiento.

8.- MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL EN SERIE DE COMEDIA: Estoy totalmente de acuerdo con lo que dijo Edie Falco al recoger el Emmy. "Os habeis equivocado, yo no soy divertida" Y, es que no hay otro modo de describir la serie "Nurse Jackie", una serie cómica, que de comedia tiene poco. Eso sí, mi Carmela Soprano favorita se merece el premio, ¡qué coño!

9.- MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL EN SERIE DE DRAMA: A priori, todo apuntaba a que la ganadora sería Julianna Margulies por su interpretación de la abogada-esposa de un senador corrupto en "The Good Wife". Pero no, Kira Sedgwick en su sexta nominación por este papel de interrogadora de sospechosos (lo consiguió por la segunda temporada de "The Closer", allá en el 2006) repite premio.

10.- MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE DE DRAMA: Aquí sí, la revelacion de la televisión de este año ("The good wife") se lleva su premio la actriz británica india vista en la serie de la BBC "Life on Mars", o en la pelicula "Quiero ser como Beckham", Archie Panjabi por su personaje de investigadora privada.

11.- MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE DE COMEDIA: Otro acierto. Para mi el exito de "Glee" está en la interpretacion de Jane Lynch como la cínica y manipuladora Sue Sylvester. Las mejores frases de la serie salen de su boca: "Para qué estudiar una lengua muerta (refiriendose al idioma español) que sólo sirve para ser jardineras o lavaplatos". :-DDDD

12.- MEJOR DIRECCION EN SERIE DRAMA: Para Steve Shill por el episodio "The getaway" de "Dexter". Como curiosidad, estaba nominada en este apartado Agnieszka Holland por el episodio piloto de "Treme" (lo nuevo de los creadores de "The Wire")

13.- MEJOR DIRECTOR EN SERIE DE COMEDIA: Para Ryan Murphy poe el episodio piloto de "Glee", y todos tan contentos...

LAKE MUNGO ("Lake Mungo") de Joel Anderson [2008]

El ahora llamado “falso documental” es un género casi tan antiguo como la Historia del Cine. Se entiende por tal, la utilización del lenguaje documental para contarte una historia. ¿Qué es el lenguaje documental?; resumiéndolo mucho, todo documental que se precie de serlo ha de cumplir dos premisas importantes: la total objetividad de lo narrado y, por lo tanto, la total ausencia de juicios de valor sobre lo que te están contando. Porque la finalidad de todo documental es eso mismo: la de generar esos juicios de valor en el propio espectador.

Con la aplicación de estas técnicas en la narración de una historia, lo que se pretende conseguir es, por un lado, la captación del interés del espectador (una “voz en off” siempre es sugerente) y, a la vez, la de acentuar la credibilidad de la historia (algo que es innegable que nos da el cine documental). Estos resultados suelen ser distintos según el porcentaje del lenguaje documental utilizado en la narración de la historia. Así, por ejemplo (y para el que esto escribe), los mejores “falsos documentales” con un equilibrio perfecto entre documental y drama son: “Ciudadano Kane” (Citizen Kane, Orson Welles, 1941), (para muchos, la mejor película de todos los tiempos), “Zelig” (“Zelig”, Woody Allen, 1983) (la maravillosa rareza de Woody Allen) y “Ciudadano Bob Roberts” (“Bob.Roberts”, Tim Robbins, 1993) (quizá la más terrorífica de las tres)

Dentro del cine fantástico y de terror, las referencias al falso documental las podemos encontrar en la famosa “voz en off” final de algunos títulos de ciencia ficción de los años 40-50 sobre invasiones marcianas, cuya finalidad no era otra que la de darle el punto de terror final a los espectadores antes de que saliesen de la sala. Y, de ahí, ya no fue hasta los años 70, donde ya acentuaron más el lenguaje documental en títulos como “Holocausto caníbal” (“Caníbal holocaust, Ruggero Deodato, 1980) con la “polémica” cita (y rumor) de “basado en hechos reales”. Más tarde con “El proyecto de la bruja de Blair” (“The Blair Witch Project”, Daniel Myrick & Eduardo Sánchez, 1999) aparecerían otro tipo de “falso documental”, que bien se podrían llamar “Reality movie”, pues el tema documental brilla casi por su ausencia. Son películas, como por ejemplo, aparte de “La bruja de Blair”, “Monstruoso” (“Cloverfield”, Matt Reeves, 2008) o la española “[REC]” (Jaime Balagueró & Paco Plaza, 2007)

Y “Lake Mungo” sí se podría decir que es un falso documental al 100%. La historia que nos cuenta es muy simple: una adolescente desaparece y es encontrada ahogada en un lago. A raíz de ese hecho, la familia de la adolescente empieza experimentar fenómenos extraños y situaciones sobrenaturales que les llevan a investigar desde el “qué nos quiere decir” hasta el “qué pasó en realidad esa noche”.

Lo mejor de “Lake Mungo” es precisamente eso, el utilizar el lenguaje documental para contarte una historia simple, muy simple; una historia que contada de otra manera no tendría ni el más mínimo éxito ni el más mínimo interés. Y es que “Lake Mungo” sabe aprovechar al 100% ese lenguaje (esa captación del interés del espectador y esa credibilidad de la historia), mediante el uso de las entrevistas a familiares y amigos, (que te acercan a conocer poco a poco a la adolescente fallecida), y mediante el uso de esas imágenes paranormales grabadas con “handycam” domésticas (que le dan ese toque necesario de credibilidad, suspense y el mínimo de terror necesario a la historia).

En el aspecto meramente dramático, la película cumple con su pretensión, que no es otra que la de ir desenredando la trama casi sin darte cuenta, con la utilización de pequeños giros argumentales necesarios para captar de nuevo la atención del espectador y así llevarte a conocer qué pasó en realidad esa noche; y todo sin la utilización de imágenes impactantes ni giros de guión exagerados y con los justos efectos visuales más efectistas que otra cosa.

En resumen, “Lake Mungo” es un correcto “falso documental”, más documental que, por ejemplo, “La cuarta Fase” (“The fourth kind”, Olatunde Osunsanmi, 2009) pero, eso sí, menos entretenida que esta.

[SERIE TV] "Breaking bad" ("Breaking bad") de Vince Gilligan [2008 - ]

Estamos ante una obra maestra de la televisión. Creo que desde "Los Soprano" no me había enganchado y entretenido tanto una serie de televisión; y eso que por mis ojos han pasado "Criando malvas", "Perdidos", "Los Tudor", "Life on Mars", "24", "Mad men", etc... etc..., unas mejores que otras, sí. Siento especial cariño a "Criando malvas" y "Mad men"... Y aún tengo por ver "Nurse Jackie" (protagonizada por Edie Falco (la recordada "Carmela Soprano") haciendo de enfermera adicta al Vicodine y el Adderall; según dicen con un humor mucho más negro que "House"; está nominada a mejor actriz de comedia), "Generation Kill" (aunque esto es una miniserie) y, ¡cómo no! la famosa "The Wire". A ver si este Agosto cae... :-)

"Breaking bad" nos viene a contar la histora de Walt White, un cincuentañero profesor de química de instituto al que el día de su 50 cumpleños le diagnostican un cancer de pulmón incurable al que le dan 2 años de vida como mucho. Vive con su mujer (embarazada de un hijo no deseado ) y con el hijo de ambos de 16 años discapacitado. Bueno, y con el agua al cuello a causa de las deudas. Tiene una cuñada cleptómana y un cuñado que es el encargado del Departamento de Narcóticos de Nuevo México. Y es viendo una actuación de éste en una redada cuando se decide a contactar con un ex-alumno suyo (ahora camello) para entre los dos utilizar sus conocimientos de química y fabricar metaanfetamina para traficar y ganar el suficiente dinero para que su familia pueda vivir cuando él falte.

Si la trama no tiene desperdicio, es precisamente la puesta en escena, el guión, los personajes, la música, la fotografía, las situaciones y los diálogos lo que eleva el todo a obra maestra. Estamos ante una serie de continuidad donde hay capítulos centrados en los problemas propios del narcotraficante (acentuados en la condicion de novatos de los protagonistas) con otros capítulos más pausados y centrados en la vida familiar ajena al secreto del cabeza de familia (y pese a que parezca lo contrario, no menos interesantes). Y es que tras la tempestad de una situación al límite, siempre vienen varios días de calma... Y si a todo eso lo envuelves con un mucho de los hermanos Coen te puedes hacer una idea de lo que te encontrarás viendo "Breaking Bad".

Y es que tanto Walt White como su camello compinche Jesse Pinkman parecen totalmente sacados de un guión de los Coen. La sererenidad, inteligencia y calma de uno de ellos contrasta a la perfección con la impulsibidad, falta de cordura y nerviosismo del otro; de hecho, ellos dos dan los mejores diálogos de la serie. De ahí que estemos ante unas actuaciones más que sobresalientes de cada uno de ellos (en especial de Bryan Cranston como Walt White: brutal y de chapó lo que hace con su personaje; hasta sus silencios hablan...)

Y el resto del reparto no le va a la zaga. La embarazada esposa que sospecha que algo le oculta su marido; la cuñada cleptómana y sus problemas con su hermana; el cuñado policía y sus investigaciones... Hasta cada uno de los narcotraficantes que van apareciendo tienen su toque de ditincion. De estos últimos, me quedo con el personaje de "Tuco". Genial su do de pecho en un capítulo :-O

En resumen, una gozada de serie, con diálogos directos, situaciones creibles 100% y el tema tabú sobre la licitud de los actos del protagonista flotando en el ambiente...

Posibilidad de Emmy: Tiene tres nominaciones: mejor serie dramática, mejor actor y mejor actor secunario. Yo le daba los tres, pero espero que al menos Bryan Cranston se lleve el suyo a casa...

Y este es "el corrido" de Los Cuates de Sinaloa creado para la serie...

EL PASEO DE LA ROJA.

Aún sigo sin creérmelo del todo. Nunca pensé que podríamos ganar un Mundial, que eso era un reto al alcance de los de siempre y una utopía (una simple ilusión) para los demás mortales. Pero no. España ha demostrado que todo está a la alcance de todos. Sinceramente pensaba que la iba a ganar Holanda (históricamente se la merecían más que España, y es que debe doler estar en tres finales y no haber conseguido ninguna (a mi aún me duele recordar esas dos finales de Champions con el Valencia; y es que nadie se acuerda de los finalistas...) y, por eso, en cierta medida me daba igual si España perdía esa final. Yo me conformaba con haber llegado a jugar ese último partido. Pero la ganamos. Si Holanda no hubiese salido comos salió, si hubiese salido a jugar como sé que saben jugar, quizá otro gallo les hubiese cantado. Eligieron dar patadas en lugar de pases y España todo lo contrario... Que se jodan.

Y ayer zapeé el paseo de la Roja por Madrid. Las celebraciones, el baño de multitudes. Acojonante en sí pero con varios "peros". Sinceremente, disfruté muchísimo más con la celebración de la Eurocopa de hace dos años que con lo que vi ayer...

Creo que el error fue que se celebrase precisamente ayer. Hubiese sido muchísimo mejor hacer hoy o mañana las celebraciones. Recordemos que la final fue el domingo a las 20:30 y que hubo prórroga. Que no estaban en Austria sino en Sudáfrica. Que tras el partido los jugadores lo celebrarían en privado e imagino que no dormirían absolutamente nada pues les esperaba un viaje en avión de ¡¡DIEZ HORAS!!. Nada más llegar el avión, les subieron al bus y, ¡hala! 12 horas por Madrid. Un 10 para los jugadores, eso sí, pero bien se podría haber pensado en ellos a la hora de hacerles protagonistas de semejante despropósito. Yo les eché de menos, eché de menos esa gracias de las celebraciones de hace 2 años, eché de msnos que estuviesen más participativos aunque... ¡¡¡GRANDE REINA!!.

Me alegró ver la Senyera catalana, la valenciana, la asturiana, incluso la bandera del Athletic Club o la bufanda de Torres y su Atleti... porque España no es más que eso, un pais multicultural, aunque los políticos de turno lo quieran llevar siempre a su terreno.

Y se me cayó el alma al suelo cuando vi en lo que convirtieron la celebración, en un festival Tele 5 donde sólo faltaban las "Mamá Chicho". Lamentable el colofón final: un Manolo Escobar cantando en playback el "Viva España" :-O (si vas a cantar en playback, no vayas; se pone el cd y punto. Más que mantearte, te tenían que haber tirado al río...), con un David Bisbal cantando su mierda de canción que no se la conoce nadie (si ves que el público te aplaude porque da por terminada tu canción, cállate la boca y no intentes acabarla); y un Carlos Latre cortando la espontaneidad de los jugadores (a ver si te enteras que estando Pepe Reina, ¡¡¡NO TE NECESITAMOS!!!)

Momentos: cuando le ponen a la fuerza a Cesc la camiseta del Barça (no sé si eso le acarreará una multa por parte del Arsenal), cuando presentó a a Navas como "salido de un manicomio" (crack), y cuando saca a Valdez y dice "para los que dicen que nos llevamos mal". Y, la verdad, ¿quién podría llevarse mal con Reina?. ¡Periolistos del orto!

En fin, un 10 a los jugadores porque hicieron un esfuerzo sobrehumano, no perdiendo la sonrisa en ningún momento y supongo que turnándose en la parte de arriba del bus para ir haciendo alguna que otra cabezadita abajo.

Espero que dentro de 2 años, si pasa lo mismo, dejen descansar a los artífices de nuestra alegría, porque, digan lo que digan de la afición y bla bla bla, son ellos (y no nostros) los que se merecen pasárselo bien y hacernos disfrutar de su triunfo. Y si lo ven una "obligación", todos perdemos.

Y, of course, Don Luis Aragonés dedicated.

UP IN THE AIR ("Up in the air") de Jason Reitman [2009]

Jason Reitman es un director que con escasas 3 películas ("Gracias porfumar", "Juno" y esta "Up in the air") se ha ganado un puesto en el organigrama hollywoodiense. Y es que ha sabido actualizar como nadie a nuestros dias toda la esencia de la comedia clásica de gente como Billy Wilder, y, sobre todo George Cukor. Yo veo mucha similitud (salvando claramente las distancias) de"Up in the air" o "Juno" con "La costilla de Adán" o "Historias deFiladelfia", por poner dos ejemplos de la clasicidad de su cine. Humor inteligente basado más en un muy elaborado guión que en las situaciones símplemente cómicas. Y algo, bastante, de drama: porque la vida no se puede explicar sin la conjunción de ambas cosas...

Así, si "Juno" trataba del drama que supone un embarazo adolescente (drama más por los que la rodean que por la propia Juno, pues ella, desde el primer fotograma no ve ningún drama en ello) en "Up in the air" el drama lo tenemos en el protagonista, en la soledad de un hombre cuyo trabajo consiste en despedir a empleados de las empresas que le contratan para ello. Y lo hace como nadie, es el número uno. Toda su vida ha estado enfocada en crearle el drama a los demás, sin darse cuenta él (o no queriéndoselo dar) que su vida en sí es un drama. Que aunque lo tenga todo, aunque viva como un rey, es el amor lo que pone comedia en tu vida. Y cuando de verdad consigue enamorarse, es ella la que hace el mismo trabajo a que se dedica él, "desdedirle".

George Clooney está impecable; con esta película no hay duda de que es el nuevo Cary Grant. El guión está muy elaborado. Muy injusto que no se haya llevado el Óscar. Y las actrices están correctas, aunque a mi me gustó más el personaje de la aprendiz que el de la amante.

Sólo hay una cosa que le hecho en cara a Jason Reitman. Nunca entenderé porque ha obviado un aspecto FUNDAMENTAL del personaje de George Clooney que sí relata el libro y que de haberlo explicado o nombrarlo, se hubiese entendido mucho mejor su personaje (por qué es tan vulnerable a enamorarse), acciones (por qué decide asistir a la boda de su hermana) y situaciones (le hubiese dado el dramatismo necesario a esa escena final). El libro comienza con George Clooney en el médico oyendo cómo le dicen que le queda un año de vida. Hubiese squedado de cine mezclar las imágenes del medico diciendole a él que le queda ese año de vida con las de George Clooney despidiendo a los empleados de sus clientes.

Pero aún así, no hay que negar que "Up in the air" es una buena película. :-)

LEGION ("Legion") de Scott Charles Stewart [2010]

“Legión” es, quizá, una de las mayores decepciones de la temporada. Y digo decepción porque la historia prometía y mucho (Dios manda un ejército de ángeles para exterminar a la raza humana) y, además, el trailer no hacía otra cosa que ponernos un caramelito en la boca. Pero a la hora de la verdad, “Legión” ha resultado ser una mala película, casi una parodia de sí misma. Y este es el verdadero fallo de la película: querer tomarse demasiado en serio a si misma.

El primer fallo que le veo es la intención clara de vestir de “blockbuster” a una simple película de serie B. La historia prometía algo del estilo de “Constantine” (Constantine, Francis Lawrence, 2005), pero le ha salido una mezcla entre “Temblores” (Tremors, Ron Underwood, 1990) y “La noche de los muertos vivientes” (Night of the living dead, George A Romero, 1968). Y es que, además, Scott Stewart no ha sabido darle a la cinta la consistencia necesaria para que la historia llegue a ser mínimamente interesante.

Porque otro fallo que le veo es el guión. Si bien es cierto que comienza de manera más que correcta, este interés se diluye muy rápidamente a medida que avanza la trama, hasta tal punto, que se pierde totalmente el interés por quién gane en la lucha final o por la incógnita del neonato. Una lástima. Creo que otro gallo cantaría si se hubiese dotado a la cinta de un humor del estilo del de “Zombies party” (Shaun of the dead, Edgar Wright, 2002), “Feast” (Feast, John Gullagher, 2008), o las más recientes, “Lesbian Vampire killer” (Lebian vampire killer, Phil Clayton, 2009) y “Bienvenidos a Zombieland” (Zombieland, Ruben Fleischer, 2009). “Legión” era una película para tratarla así y no para dotarla de ese aura de misticismo religioso, que tan poco éxito (por no decir ninguno) ha tenido en el cine.

Y, por último, de cada una de las (planas) interpretaciones del elenco, destacaría a un Paul Bettany como el arcángel “Terminator” Miguel que, aunque se le ve un poco perdido, le da algo de consistencia a su personaje; y, sobre todo, destacaría a Kevin Durand como al arcángel Gabriel. Un actor que ya me llamó la atención como sicario en la serie de TV “Perdidos” (Lost, J.J. Abrams, 2004) y que me recuerda mucho a aquel Christopher Walken en su etapa de villano sin escrúpulos. Y, la verdad, en “Legión”, la aparición de Gabriel en escena logra eclipsar toda la pantalla.

Lo mejor: Kevin Durand, y la escena de la abuela Gladys (sin duda, lo mejor del filme) y la del niño en la gasolinera

Lo peor: El guión, el ritmo, el maquillaje de unos ángeles que parecen más zombis que otra cosa y, sobre todo, las expectativas que prometía y lo que es en realidad.

Y ya por último, yo eché de menos la aparición del arcángel Rafael, pero ni aparece ni lo nombran; será cosas del Protestantismo, que sólo reconocen a dos arcángeles. Quizá desde un punto de vista católico “Legión” hubiese sido más interesante sin duda…

IRON MAN 2 ("Iron man 2") de Jon Favreau [2010]

“Iron man 2” es una aceptable secuela de una buena adaptación de un héroe Marvel. A mi entender, Iron Man es quizá el superhéroe más humano de todos y, a la vez, uno de los personajes más atractivos del Universo de los cómics. Es un superhéroe que encierra ciertos aspectos oscuros de la naturaleza humana que no encontramos en los demás superhéroes: no tiene una personalidad secreta, es un ser arrogante, un ser soberbio, con una tendencia creciente al alcoholismo y, además, con esa idea preconcebida de que el fin justifica los medios; idea que se aleja bastante de los clásicos superhéroes. Además de multimillonario, su empresa se dedica a crear armas para el mejor postor, algo impropio de todo superhéroe. Sólo hay que escuchar la frase de Tony Stark, “Acabo de privatizar la Paz mundial”, para darnos cuenta que, quizá, sea la frase que mejor le defina

Así, si “Iron man” (2008) se centraba en cómo Tony Stark se convertía en “El hombre de hierro”, en esta secuela Jon Favreau se centra más en la figura del Tony Stark humano, en ese ser atormentado por su miedo a la muerte, a su futuro incierto, a su corazón envenenado… logrando explicar a la perfección tanto el por qué de sus excentricidades como la de utilizar su ingenio para buscar una solución a su problema. En este sentido la película cumple con creces las expectativas, gracias a un magistral Robert Downey Jr que, o bien ha entendido a la perfección el personaje de Tony Stark, o este actor está ya en un momento artístico en que borda cualquier papel que le echen. Me inclino más por lo segundo; y me alegro de ello. Un 99% del éxito de Iron man está en su interpretación, dejando intacto el carisma que le dio al personaje en la primera película

Otro acierto de esta secuela es lo bien que están introducidas las escenas de acción logrando el equilibrio perfecto entre la explicación de un personaje, la continuidad de una trama y la pura diversión visual. No hay que olvidar que estamos ante una película de superhéroes, y todo esto se agradece.

Pero “Iron Man 2” no es ni mucho menos “El caballero oscuro”. Y si antes he dicho que estamos ante una aceptable (que no buena) secuela es porque “Iron man 2” cae en el error en el que suelen caer los guionistas a la hora de realizar secuelas de superhéroes. Y ese error no es otro que el de introducir demasiados personajes y poco tiempo para desarrollarlos como se merecen. Se le presta más atención a la “Viuda negra” (una genial Scarlett Johansson) y a “Nick Furia” (un “casi cameo” de Samuel L. Jackson) en detrimento de “Maquina de guerra” (al personaje de Don Cheadle lo veo elaborado muy a trompicones), y, sobre todo, en detrimento de Mickey Rourke como el villano “Latigazo”. Creo que se merecía más atención y, sobre todo, un final digno con el que todo supervillano sueña: un cara a cara contra el superhéroe a la altura de las circunstancias. Una lástima…

Lo mejor: Robert Downey Jr y Scarlett Johansson (esta última llega a ensombrecer casi por completo a Gwyneth Paltrow). El ritmo de la película (no llega a aburrir en ningún momento). Cada una de las escenas de acción; en especial la de Montecarlo. Y, cómo no, el “teaser” final tras los títulos de crédito.

Lo peor: Que pueda dar una sensación de película presentación de personajes que de secuela en sí.

NdR: esta crítica es la primera colaboración de uno de los "enanos" (Cárabo) en la web Klowns Asesinos

THE DAMNED UNITED ("The Damned united") de Tom Hooper [2009]

Así de primeras, se podría decir que "The Damned united" es la mejor película que trata el tema del fútbol de todas las que se han rodado. Y es porque además de explicar a la perfección esa llamada "soledad del entrenador", la película va mucho más allá y nos lo cuenta todo desde una perspectiva muy shakesperiana donde cabe tanto el tema de las ambiciones, el poder, las envidias, los odios como también el de la amistad hacia su segundo de a bordo o el amor al fútbol. Y qué mejor forma que sea el propio cine inglés el que te cuente a su manera un deporte que inventaron ellos...

Y así, "The Damned United" escoge para todo ello la extraordinaria historia de Brian Clough, un jugador que se retiró muy pronto por culpa de una lesión y que se dedicó a entrenar a equipos de Segunda. Consiguió colocar al por aquel entonces desconocido "Derby County" entre la élite del futbol inglés consiguiendo un campeonato. Luego hizo lo propio con un aún más desconocido "Nottingham Forest" consiguiendo esta vez lo que ningún entrenador inglés ha conseguido hasta la fecha: hacerles campeones de Europa dos años consecutivos.

Pero el éxito de la película está en que se centra en aquellos 44 dias que dirigió al Leeds United en 1974 (que por lo visto era como un puto Mandril por aquel entonces) tras conseguir el campeonato con el Derby County. Porque la película en sí dura 44 días; todo lo demás son flashbacks del por qué llegó hasta ahi. Preguntas que te plantea y que te las responde en esos flashbacks. Genial esa forma de contarte la historia, la verdad. Consigue agilizar la trama hablando de su orgullo, de su caracter, de su idea del fútbol (más de caballeros que de bestias), de su ciega ambición, de su odio a Don Revie, de su amistad y posterior distanciamiento con su segundo entrenador, de sus desavenencias con el presidente... Genial, genial, genial. Entre lineas, llegas a entender muchas cosas del fútbol moderno.

En tema de interpretación, cada uno de los protagonistas están impecables: Michael Sheen (al que no me convenció en "Frost vs Nixon") aquí está más que convincente, se sale. Timothy Spall (hace entrañable un personaje en la sombra); Colm Meaney (brutal como Don Ravie; llegas a odiarle) y Jim Boadbent (siempre convinecente haga lo que haga).

Lo mejor: La fotografía, el guión, la forma de estar contada la película, las escenas de goles con la clasificacion del Derby County subiendo. Y como escenas, dos: la del primer partido que gana el Derby al Leeds con un Brian Clough solo en el vestuario intuyendo los goles con las sombras de la aficion levantándose y oscureciendo la sala donde está él (no ves ningún gol pero lo entiendes todo). Y la otra escena, cuando es despedido del Leeds (me recordó bastante a lo que le debió pasar a Camacho en el Mandril). La fotografia, la ambientación de los años 70, el guión... Hasta el final, con ese flashfoward de lo que conseguirá con el Nottingham tras esos 44 dias en el Leeds. Bueno, hasta los maravillosos títulos de crédito se salen. :-)))

Lo peor: Nada, salvo que te metes tanto en la película que te da pena que termine, echas de menos que continue con lo que hizo con el Nottingham, joder...

En resumen, "The Damned United" es una película altamente recomendable para los que, como Miguel Y Tomi, aún creen en el fútbol como debería ser... :-PPP

SHUTTER ISLAND ("Shutter island") de Martin Scorsese [2010]

Lo bueno de que te gusten las películas de serie B es que disfrutas más por la trama en sí que por lo que puedas sacar de ella. Es el cine de puro divertimento, tal y como fue concebido en sus comienzos. Son historias que entretienen; son intrigas enrevesadas; son giros argumentales que se preveen la mayoría de las veces; son personajes con dos o tres registros que simplemente buscan la empatía con el espectador y que te creas lo que te dicen... Son historias para evadirse, simplemente.

Pero lo mejor de todo eso es que de repente venga un genio y te ruede una de esas historias, porque entonces todo lo del párrafo anterior se multiplica por mil. Y eso es, precisamente, lo que ha hecho Scorsese con "Shutter island": ha cogido una historia de intriga (del mismo autor que esa obra maestra que es "Mystic River" de Clint Eastwood), un thriller de manicomios muy de serie B de los 50 lleno de preguntas sin respuesta para ir despejando las dudas poco a poco... y se ha puesto a dirigir como sólo él sabe, y homenajeando a los clásicos cmo por lo visto ha querido hacer.

Porque "Shutter island" bebe tanto de Hitchcock ("Vertigo" "Con la muerte en los talones") como de aquellas películas policíacas de los 50; bebe tanto de su propio "El cabo del miedo" como de su magistral "Jo, qué noche!". Y me atrevería a decir que yo he visto un algo, (una pizca) del David Lynch de "Mullholand drive".

Y es que "Shutter island" es mucho más que todo esto. Es una película sobre la locura, sobre esa época de los años 50, donde el mundo creaba locos; época de resaca de una Segunda Guerra Mundial fatíadica para todos, época de avances bélicos que se van de las manos, época de miedo, del principio de la Guerra Fria. Todo eso se palpa en la trama de la película; una trama que consigue que llegues a sentirte incómodo, a no entender nada pero entendiéndolo todo... "Dios nos hizo violentos... hasta la propia Naturaleza es violenta".

Magistrales son la direccion de cada plano (hay escenas que podrían haber sido rodadas por el mismisimo Hitchcock), las interpretaciones de cada uno de los actores (desde un gran Leonardo DiCaprio hasta unos no menos magitrales Ben Kingsley o Max Von Sidow) y la banda sonora enfatizando la angustiosa trama...

Lo mejor: Como escena en si, la del acantilado, brutal y genial al mismo tiempo (me recordó bastante a "Vertigo"); tambien muy destacable cada uno de los sueños del protagonista (en especial, su recuerdo de la guerra) juntando en un mismo plano diferentes escenas logrando explicarte lo que quiere, (muy del estilo de David Lynch). Que evoluciones tú al mismo tiempo que lo hace el protagonista; aquí si que Scorsese lo borda, pues la trama es un tanto complicada... Y, cómo no, el final, la última frase. Pocos finales así han conseguido que le suba un punto a la puntuación final. De chapó!. Bueno, y que la película te dice más de lo que te cuenta...

Lo peor: Nada, absolutamente nada; se me hizo corta pese a las 2 horas de película. Disfruté como un enano angustiándome en según que ratos y aplaudiendo el final... No sé si porque soy un asíduo a la serie B, pero a mi me encantó la película... :-)))

En resumen, "Shutter island" es muy muy recomendable para disfrutar del cine con mayúsculas y de Scorsese, uno de los más grandes, que cada año que pasa sigue sorprendiéndote. ¿A qué esperas para verla?.

"CELDA 211" de Daniel Monzón [2009]

Con Daniel Monzón me ha pasado algo curioso. Lo sigo desde su etapa de crítico cinematográfico en la revista "Fotogramas", de cuando las crítica eran más críticas que "spam" (porque mandahuevos lo que ha cambiado esa revista en ese aspecto). Pues en aquella época (hablo de fianles de los 80 a mediados de los 90), Daniel Monzón era mi crítico favorito. Solia estar de acuerdo en casi todo lo que decía y me fiaba ciegamente de sus críticas. Muy pocas veces me defraudaba pues, por lo visto, tenemos visiones parecidas en esto de visionar películas. Más tarde me enteré que ese mismo Daniel Monzón era primo de un colega; de un puto crack de mi etapa de futbito. ¡jo, qué tiempos!; eramos una mierda (de hecho, nos hacíamos llamar "Los Zurullos") pero era estar ese colega en el campo y llegar a empatar (y hasta ganar más de una vez). Qué bueno era el cabron... Y fue en un partido de esos, hablando de cine en el banquillo (yo era carne de banquillo) cuando hable de los críticos y de que al que yo seguía se iba a pasar a la direccion, cuando me enteré que Daniel Monzón era además, primo del crack de mi equipo :-DD

Luego me defraudó, porque la película con la que debutó ("El corazón del guerrero") no me gustó mucho. Eso sí, le agradecí eternamente que intentase algo distinto en el cine español (que por aquel entonces sólo se hacían dramones de postguerra y comedietas sin chicha ni limoná). Y el proyecto fue arrriesgado, aunque se notó más la falta de presupuesto que falta de ideas... bueno y una dirección muy a trompicones.

Y tras dos películas más ("El robo más grande jamás contado" y "La caja Kovak"), en la que ha ido creciendo como director, llegamos a esta casi obra maestra que es "Celda 211". Porque aquí sí que ha sabido contar una historia como me imaginaba que le gustaba el cine de sus críticas; aquí sí ha sabido crear unos personajes que van creciendo a medida que avanza la trama; aquí sí ha sabido meterlo todo en una claustrafóbica atmósfera de lo más sugerente y tensa. Y, por encima de todo, ha creado un mito: "Malamadre". Es un personaje que pasará a la historia del cine español. Es un personaje que está por encima del actor que lo interpreta (un magistral a más no poder Luis Tosar que ha conseguido un ABC de la interpretación). Y es que está a la misma altura que, por ejemplo, el "Hannibal Lecter" de Anthony Hopkins o el "Joker" de Heath Ledger. Los odias, los quieres, empatizas con ellos, te emocionan y llegas a comprenderles. Brutal. El 80% del éxito de Celda 211 está indudablemente en Luis Tosar. :-O

Otro éxito destacable de la película es el guión y el hecho de tratar al terrorismo etarra como parte de la acción, sin miedo, sin moralina, como una realidad social palpable hoy en dia. La frase de Malamadre "Y tú que harías", genial, genial, genial. Muy valiente en este aspecto la película. Y se agradece que no lo trate de otra manera.

Lo mejor: Luis Tosar, Luis Tosar y Luis Tosar. El personaje de "Malamadre"; de los mejores en muchísims años. La trama del interior de la cárcel, que es casi el 98% de la película. Y cada uno de los actores que aparecen destacando a Luis Zahera como "Releches". Impecable. Hasta Resines está bien (bueno, mejora bastante según avanza la película). Y el guión, del que puedes sacar tus conclusiones sobre todo lo que te han contado.

Lo peor: Algo que pasa fuera de la prision y que poduce un giro inesperado en lo que sucede dentro de la prision. Lo vi un poco exagerado, pero bueno, así es la historia, y así has de creertela. También me da la sensación (muy pocas veces me pasa) que a la película le faltan 20 minutos. Hay situaciones que pasan my rápido y que bien merecían un fijarse más en ellos. Y, por último, que no entiendo cómo no la han mandado a competir por el Óscar... creo sinceramente que estaríamos ahora esperando a ver qué pasa el domingo; en fin, politiqueos, me temo. :-(

En resumen, una muy buena película; de las más entretenidas del cine español en años y fundamental para disfrutar como nunca de un personaje como "Malamadre", que no te dejará indiferente. Un 10 para Luis Tosar. Y un 9 pra Danil Monzón, que me temo que en su próxima película se saldrá definitivamente :-))))

THE BLIND SIDE ("The blind side") de John Lee Hancock [2009]

"Mary and Max.", "(500) dias juntos", "Los abrazos rotos", "The road", "Invictus", "Si la cosa funciona", "Moon", "Sherlock Holmes", "Adam", "Tank fish", "Brothers", "Enemigos públicos", etc... etc...; cualquiera de todas estas películas debería estar nominada a mejor película antes de esta bazofia de telefilm televisivo. Y podría seguir diciendo... Porque a "The blind side" no se le puede catalogar de otra manera. Es, quizá y sin exagerar, la peor película jamás nominada a la máxima categoría en la historia de los Oscar. Brutal lo de este año.

Si bien es verdad que la historia es muy de película nominable, muy "american way of life" (la historia real de un negro de los suburbios que fue acogido por una familia americana y llegó a triunfar en el mundo del fútbol americano), la película es otra cosa:

Guión plano, de lo más patético que yo haya leido (los supuestos giros argumentales te los preves 5 minutos antes de que ocurran). Guión más parecido a película tipicas de perros futbolistas y monos patinadores que de una historia en principio interesante.

Personajes esteriotipados al máximo: el protagonista está pa devolverlo a su suburbio pa que se atiborre de crack y espabile (va de "jo, qué negro soy en un mundo de blancos ¡qué penita doy!" durante toda la película; vamos, que más que persona con buen corazón, parece retrasado); el hijo pequeño es para matarlo literalmente (bufff, de lo empalagoso y coñazo que resulta, hace que los niños de Mary Poppins parezcan psychokillers); la hija adolescente es un mero mueble (sólo sirve para la escena en que "oh, pobrecito el negro que se sienta solo en la biblioteca, me sentaré con él que vive en mi casa", escena por lo visto lamentablemente imprescindible...); el padre es el típico padre de familia guayón que ni por un instante se extraña que su mujer quiera meter a un negraco de 100 kilos en su casa ("bueno, vale, te dejo" (un besito en los labios, buenas noches y hasta mañana); y la madre... buff, la madre es Sandra Bullock.

Su personaje es el de una esposa de un alto ejecutivo, católica convencida y que está dispuesta por amor al arte (y pa que sus amigas flipen) lo de "poner un pobre en su mesa". Ya lo dice su marido al empalagoso de su hijo "ya sabes cómo es mamá, cuando pone esa cara no le vas a hacer cambiar de opinión". Pues nada, aceptamos al negro como animal de compañía... Así es el personaje de Sandra Bullock. Eso sí, su actuación es lo más notable de este engendro, aunque no sé si por sus habilidades como actriz o porque está rodeado de los peores actores de la Costa Este, porque mención aparte merecería el elenco de secundarios, con ese profesor de educación física a la cabeza :-O

Eso sí, sólo hubo un momento que podía haber subido la nota final a la película: cuando insinúan que la familia tuvo otras razones por las que le acogieron... pero no dan tiempo a que pienses en ello pues a ls 30 segundos ya dan por zanjado el tema a favor de la bondad de los empalagosos. Buaggghhhh

Lo mejor: Saber qué coño es eso de "the blind side" (es el lado ciego que un dfensa de futbol americano se encarga de cubrir al delantero para que llegue a marca goles o como se diga). Se sabe en los títulos de crédito del principio, o sea...

Lo peor: Todo lo demás, guión, dirección, actuaciones, mensaje, esteriotipos, y que cada uno de los personajes que van saliendo se superan a sí mismos en mediocridad...

Posibilidades de Óscar: ¿Película y actriz?. Posibilidad de CERO PATATERO. Miedo me da el Globo de Oro que tanto exhibe la Bullock... pero este año ya le toca a Meryl Streep, menos mal...

Resumiedo, no perdais el tiempo ni el dinero viendo esta bazofia. Ya la harán por Antena 3 un domingo a las 16:00; es carne de eso. Además, el trailer te la cuenta toda; la podeis dar por vista :-DDDDD